El Cine es...
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"El Cine es la vida en ficción hecha perfección".
"Cada vez que veo un buen filme sueño, viajo ¡vivo!".
"El Cine es... como el aire que respiro”.
"La vida la vivo, no la exhibo. Y a través del arte y el Cine, la expreso".
"La vida es efímera. El Cine es... eternidad".
Ernesto Rodriguez-Carbó
ER-C junto a una foto del maestro David W. Griffith en la
exhibición 'Hollywood: Legend and Reality' del Center
for the Fine Arts- Miami, FL (Diciembre 9, 1986)
Séptimo Arte Hoy
Monica Barbaro y Timothée Chalamet le dan vida a Joan Baez y
Bob Dylan, respectivamente, en "Un completo desconocido"
"A Complete Unknown"
Estados Unidos (2024)
Dirección: James Mangold
Guión: James Mangold, Jay Cocks (basado en el libro
"Dylan Goes Electric! Newport, Seeger, Dylan and the
Night that Split the Sixties" por Elijah Wald)
Cinematografía: Phedon Papamichael
Diseño de Producción: François Audouy
Edición: Andrew Buckland, Scott Morris
Clasificación: R. Duración: Dos horas, 21 minutos
La ciudad de New York al principio de los años 60 (la fotografía e iluminación lo recrean íntegramente). En ese quehacer bien ambientado deambula Bob Dylan (caracterizado a cabalidad por Timothée Chalamet: físico, voz; interpretación de las canciones y ejecución de instrumentos musicales) acompañado siempre de su preciada guitarra como todo un buen bohemio a ritmo andante. Pero, el gran punto de partida del filme tiene que ver con el encuentro simultaneo entre Woody Guthrie (Scoot McNairy), durante la enfermedad terminal de este, Pete Seeger (también representado a plenitud por Edward Norton) y Dylan. En ese punto de la trama ya Mangold va combinando la ficción y el sentido del docudrama sin desentonar el lenguaje cinematográfico. Y sin omitir tampoco el acontecer político de la época: el Movimiento de los Derechos Civiles en EE.UU., la Crisis de los Misiles en Cuba de 1962, etc.; más ‘la moda’ en ese tiempo de las tonadas contestatarias. La participación de Monica Barbaro en su papel de Joan Baez es otro gran aporte a la historia. Sin embargo, la intervención de Elle Fanning, cuya labor actoral no precisa de cantar y ejecutar al mismo nivel que Chalamet, Norton o Barbaro, en ese sentido es quien mejor expresa ante las cámaras los estados y cambios emocionales para el personaje de Sylvie Russo, inspirado en la verdadera Suze Rotolo quien en la vida real fuera pareja de Bob Dylan (ER-C). "A Complete Unknown" se estrenó el 20 de noviembre en Los Angeles. Y en todo Estados Unidos el 25 de diciembre.
Nominaciones
Premios 'Golden Globes', USA 2025: Mejor Película-Drama,
Actor-Drama (Timothée Chalamet), Actor de Reparto
(Edward Norton).
Premios 'Critics Choice' 2025 de la 'Broadcast Film
Critics Association': Mejor Película, Actor
(Timothée Chalamet), Actor de Reparto (Edward Norton).
Galardones
Premio Tributo (Visionario) de los Gotham Awards 2024.
Premios NBR: 10 Películas Destacadas, Mejor Actriz
Secundaria (Elle Fanning) de National Board of
Review, USA 2024.
En "Anora" Mikey Madison realiza una emotiva e inolvidable
actuación como la bailarina erótica Ani
"Anora"
Estados Unidos (2024)
Dirección, guión, edición: Sean Baker
Cinematografía: Drew Daniels
Música: Joseph Capalbo
Clasificación: R. Duración: Dos horas, 19 minutos
"Anora" se estrenó el 21 de mayo en Cannes Film Festival
y en EE.UU. el 30 de agosto en Telluride Film Festival
Nominaciones
Premios 'Golden Globes', USA 2025: Mejor Película-
Comedia o Musical, Director, Actriz-Comedia o Musical
(Mikey Madison), Actor de Reparto (Yura Borisov),
Guion.
Premios 'Critics Choice' 2025: Mejor Película,
Director, Actriz (Mikey Madison), Actor de Reparto
(Yura Borisov), Reparto, Guion Original, Montaje.
Premios 'Independent Spirit' 2025: Mejor Película,
Director, Interpretación Principal (Mikey Madison),
Interpretación de Reparto (Karren Karagulian),
Interpretación de Reparto (Yura Borisov).
Galardones
Palme d'Or del Cannes Film Festival 2024.
Premio a la Actuación (Mikey Madison) del
Festival de Cine de Virginia 2024.
'Breakthrough Performance' (Mikey Madison) del
Festival de Cine de Mill Valley 2024.
Premios NBR: 10 Películas Destacadas, Actuación
Destacada de una Actriz (Mikey Madison) de
National Board of Review, USA 2024.
*****
Estados Unidos (2024)
Dirección: Tyler Perry
Guión: Tyler Perry (basado en el articulo
"Fighting a Two-Front War" de Kevin Hymel)
Cinematografía: Michael Watson
Música: Aaron Zigman
Edición: Maysie Hoy
Clasificación: PG-13. Duración: Dos horas, siete minutos
"The Six Triple Eight" se estrenó el 6 de diciembre en
Canadá, Reino Unido, Irlanda y Estados Unidos.
Y el 20 de diciembre en Internet.
Galardón
Premio 'Icon' 2024: 'Black Cinema & Television'
(Tyler Perry) de 'Critics Choice Awards
Celebration of Cinema & Television'
*****
"Ride for the Living"
Estados Unidos (2024)
Dirección: Marc Bennett, Tim Roper
Guión: Tim Roper, Marc Bennett, Brett Kopin
Cinematografía: Patrick Lewtschanyn,
Alejandro Marin, Del Feltz
Música: Daniel Alcheh
Edición: Alanna Schmelter, Travis Mitchell,
Pedro Urgilies, John Polk
Duración: Una hora, 57 minutos
Desde su introducción se va sintiendo una carga de humanismo que irá cautivando al espectador. Es inevitable cualquiera que sea su credo. Las atrocidades cometidas en diferentes momentos de la historia son, cinematográficamente, cautivadoras. A pesar de su crudeza, pero, gracias a la edición y al dinamismo cómo son expuestas. Además, no se detiene demasiado este documental en las típicas ‘cabezas parlantes’. Más bien, desarrolla un ritmo fílmico que invita… ‘a pedalear’ (en el sentido real de la palabra). Una acción que tiene el significado del reclamo al derecho a la vida. Materiales de archivo y películas de ficción con imágenes, siempre terribles, del Holocausto Judío. Y, más terribles aún, las que denuncian el antisemitismo que todavía invade a las sociedades presentes en un mundo que se supone sea más civilizado. Aniquilamientos masivos. Genocidios en toda la extensión del término. Deshumanización sin límites. Armenia 1915. Las atrocidades cometidas contra ese pueblo por parte de Turquía. Escenas que lo dicen todo. Imploran. Denuncian. Ese odio extendido en todas las latitudes, incluido los Estados Unidos. Los discursos políticos antiinmigrantes cargados con ese mismo sentimiento perverso. El Sendero de Lágrimas. Exterminio (mostrado gráficamente) de las tribus indígenas de América. ¿Quiénes eran los inmigrantes en aquel entonces? El recorrido de la cámara por las calles y recintos vacíos del campo de concentración en Auschwitz. Se hace imposible creer que en un aparente ambiente de paz y tranquilidad tantas almas perecieran por absurdas medidas racistas de seres contra otros seres humanos. El ascenso de los Jemeres Rojos en Camboya. El surgimiento de los campos de la muerte. El exterminio masivo e irracional de la población debido a sus propios gobernantes. Inconcebible. Inimaginable. Degradante en todos los sentidos. Hay un continuo paralelismo entre el Holocausto (mediante un certero montaje) y esos actos inhumanos que acontecen en otras regiones de nuestro planeta. Y eso invita, sino a la reflexión, a la introspección forzada. Las guerras en Yugoslavia. Aniquilamientos desmesurados. Campos de concentración para la población civil. Errores históricos supuestos a no repetirse nunca más. Ruanda, 1992. Matanza del grupo étnico tutsis de una manera atroz, desmedida, más allá de la racionalidad. Y bajo la divulgación de conceptos, oficialmente, racistas. La invasión de Rusia a Ucrania. Imágenes desgarradoras. La barbarie de una nación hacia otra en pleno siglo XXI. ¡Cuánta actualidad alarmante, y sincera a la vez, en este monumental documental! (ER-C). "For the Living" se estrenó el 20 de octubre en Newport Beach Film Festival. Y el 10 de noviembre se exhibió durante una Presentación Especial como parte de la 39 Edición del Fort Lauderdale International Film Festival en Gateway Cinema con la presencia de Tim Roper y la productora Lisa Effress respondiendo las preguntas del público
Dirección: Alfonso Cuarón
Guión: Steve Kloves (basado en la
novela de J.K. Rowling)
Cinematografía: Michael Seresin
Música: John Williams
Edición: Steven Weisberg
Clasificación: PG. Duración: Dos horas, 22 minutos
"Harry Potter and the Prisoner of Azkaban" se estrenó el 23 de
mayo del 2004 en New York City, New York. Y en retrospectiva
se exhibirá el 6 de noviembre en Koubek Center durante el
MDC’s Miami Film Festival GEMS 2024 donde se le entregará
el premio 'Precious Gema' a Alfonso Cuarón por su
trayectoria profesional el 9 de noviembre
en Silverspot Cinema 13
Galardón
Premio BAFTA 2005 de la Academia Británica de las Artes
Cinematográficas y de la Televisión: 'Audience Award'
Nominaciones
Premios Oscar 2005 de la Academia de Artes y Ciencias
Cinematográficas: Mejor Banda Sonora Original,
Efectos Visuales (Tim Burke, Roger Guyett,
Bill George, John Richardson)
Ernesto Rodriguez-Carbó entrevistó al
director Alfonso Cuarón con motivo del
estreno de su filme en Estados Unidos
"Harry Potter and the Prisoner of
Azkaban" (Junio 2, 2004)
ER-C: Quisiera que me hable de su origen en el mundo del espectáculo.
AC: Mi origen, en cuestión de películas que he hecho… Creo que fue 90, 91, que dirigí mi primera película, mi primer largometraje que se llamó… “Solo con tu pareja”. E, inmediatamente después, Sidney Pollack me invitó a participar en un proyecto de televisión de cable que se llamaba “Fallen Angels” (1993), que eran películas de media hora. Cada una basada en clásicos de novela negra. Y ahí tuve la gran fortuna de poder trabajar, por primera vez, con Alan Rickman que ahora está en “Harry Potter”. Después de eso hice “La princesita” (A Little Princess, 1995) para la Warner en Estados Unidos. Y después de esa hice “Great Expectations” (1998), “Grandes esperanzas”, con Ethan Hawkey, Gwyneth Paltrow y Robert De Niro para la Fox. Y después regresé a México a filmar “Y tu mamá también” (2001) con Gael García Bernal, Maribel Verdú y Diego Luna. Y ahora que acabo de hacer “Harry Potter y el Prisionero de Azkaban”… Otra más: ‘Chilango’ (natural de Ciudad de México). Nací en la Ciudad de México… Viví ahí los primeros treinta años de mi vida.
ER-C: Su entrenamiento en el arte cinematográfico, escuelas de cine…
AC: Yo fui corrido de la Escuela de Cine. Y mi entrenamiento fue más… Yo trabajé en todas las capacidades, en un set fílmico… Fui microfonista. Hice trabajo de todo. De asistente de cámara. De asistente de producción. Como fotógrafo, en algunos casos. Como editor. Pero, sobre todo, por muchos años, yo fui asistente de dirección… Esa fue mi mayor escuela. Tuve la fortuna de asistir a gente como José Luis García Agraz o Luis Mandoki. Y, junto con eso, también una cantidad de películas americanas, francesas o canadienses que iban a filmar a México.
ER-C: Anteriormente, cuando le hablé de la escuela de cine, que lo corrieron, ¿era quizás porque su estilo no es, precisamente, un estilo academicista?
AC: Tiene que ver muchas cosas. Por un lado, la Escuela de Cine tiene una estructura muy ‘dinosaúrica’. Había toda una generación, junto conmigo, que estábamos interesados en un cine narrativo. Y que estaba considerado, en esos momentos, como ‘reaccionario’… Estaba el fotógrafo de todas mis películas, menos esta, que es Emmanuel Lubezki, que ha hecho películas como “Sleepy Hollow” (1999), “Meet Joe Black” (1998) y “The Cat in the Hat” (2003)… O Luis Estrada que es un director en México, que ha hecho películas como “Bandidos” (1991) o “La ley de Herodes” (1999)… También creo… viéndolo ahora, en retrospectiva, que debe haber habido mucha arrogancia de juventud, de nuestra parte… Era, básicamente, un choque, dos culturas. Una cultura un poco ‘dinosaúrica’ y ‘entumida’. Y, con unos jovencitos arrogantes, que creían ellos sabían mejor cómo hacer las cosas.
ER-C: ¿Qué otras personalidades actuales, que se han lanzado al cine internacional, coinciden en esos años?
AC: Bueno, creo que en cuestiones de estar trabajando cine internacional: Emmanuel Lubezki, el fotógrafo. Está nominado dos o tres veces para Oscares. Hizo “Ali” (2001), la de Michael Mann. Tiene muchas otras. Pero, de esa generación de escuela, éramos nosotros. Ya, después, el proceso de asistir y trabajar en la industria, en distintas posiciones, me puso en contacto con Guillermo del Toro… Él lo que hacía era efectos especiales de maquillaje. Entonces me tocaba, de pronto, yo ser asistente de dirección cuando él estaba haciendo efectos especiales para algunas cosas. Después, toda esa generación fue invitada a un programa de producción que producía Carmen Armendáriz, la hermana de Pedro Armendáriz, que se llamaba “Hora marcada” (1988–1990), que eran capítulos de media hora. Uno distinto cada vez. Eran como cortitos de terror, de suspenso. Y ahí fue mi primera oportunidad para dirigir para la televisión. Yo dirigí episodios ahí. El 'Chivo' Lubezki hacía fotografía. Yo hacía fotografía para otras gentes. Y Guillermo del Toro hizo sus primeras cosas dirigiendo para la televisión. Inclusive, Guillermo escribió un guión para mí en el que él actúa. Y entonces empezó a crear, a partir de ahí, una relación. Y junto con eso, poco después, siguen juntándose gente por el camino. No quiere decir que las raíces y el origen sean el mismo, pero gente como Alejandro González Íñarritu que, creativamente, nos empezamos a sentir muy afines. Él viene de otro mundo, de los comerciales, que es un mundo en el que yo nunca participé. Sin embargo, aunque él dirigía comerciales veía que su cabeza era, inmediatamente, de director de cine… Gente que tiene lenguaje en común… Creo que así se dan las cosas…
ER-C: Es decir… puedo percibir, ver a Guillermo del Toro, su inclinación hacia los efectos especiales, al cine efectista… (Usted) el amante a la cinematografía, a la fotografía, pues se ven sus inclinaciones en esos años. Y, a pesar de su recorrido, pues su pasión final es, indudablemente, la dirección, ¿no?
AC: Sí, todo era enfocado en la dirección… Siempre titubeante porque tengo un gran amor a la fotografía, en cine… Pero, también, descubrí mis limitaciones y… mis mayores capacidades. Mis mayores capacidades es la colaboración con un buen fotógrafo. Y es una cosa que disfruto muchísimo. Y así ha sido toda mi vida con Emmanuel Lubezki. Pero, inclusive, con Michael Seresin en esta película ("Harry Potter and the Prisoner of Azkaban"). Es de las colaboraciones que más disfruto.
ER-C: En mis notas veo que usted fue asistente de dirección en “Gaby: A True Story” (1987). Una película… lo que le voy a decir a continuación son impresiones personales… Una película que había sentado pautas…
AC: Totalmente.
ER-C: Quisiera captar su impresión al respecto… La que triunfa en realidad, ante la Academia (de Hollywood), es “My Left Foot” (1989). Y siempre vi a “Gaby” como primera.
AC: Bueno, yo estoy totalmente de acuerdo contigo. Para mí “Gaby” tiene un lugar muy especial.
ER-C: Siempre fue la predecesora… Danny Day Lewis está muy bien (en “My Left Foot”), pero…
AC: Sí, pero el trabajo que hicieron todos en esta otra película es genial. Para mí lo más importante es que, en primer lugar, tuve la oportunidad de asistir a Luis Mandoki, que se convirtió en uno de mis mentores. Pero, lo más interesante fue que, yo era asistente de dirección. El primer asistente de dirección. Emmanuel Lubezki, el fotógrafo, estaba de mi segundo asistente de producción. José Antonio García estaba de microfonista. Y Steven Weisberg era el asistente de edición. Cuando llegué hacer “La princesita” yo estaba dirigiendo; Emmanuel Lubezki era el fotógrafo; José Antonio García, que era el microfonista, era el sonidista; y Steven Weisberg, que era el asistente de edición, ahora el editor… Nosotros lo llamamos ‘el tren Gaby’. En “Gaby”, como que… fue un ‘embudo' que puso en contacto, gente con gente, que seguimos colaborando juntos desde entonces.
ER-C: Otra nota muy importante que tengo, que es personal. “Hart's War” (2002). Usted trabajó también como guionista…
AC: Yo trabajé elaborando el guión, pero… No tengo nada que ver con el resultado final. Para mí había una película más interesante que la que hicieron… Para mí era un microcosmo. Era hablar de como en un campo para prisioneros, entre la Segunda Guerra Mundial, se repetían ‘los vicios de la sociedad norteamericana’ en cuestión de las ‘dinámicas de raza’… Empecé a trabajar en la elaboración de un guión así… Yo no hice “Hart's War” por irme hacer “Y tu mamá también”. Siguieron trabajando en el guión y lo hicieron, más en una película de heroísmos, que me parecen muy falsos.
ER-C:… Hay un gran salto entre “La princesita”… ‘made-in-Hollywood’. Es decir, me cuesta trabajo, quizás, ‘digerir’ “Y tu mamá también” y “La princesita”… (En) “Y tu mamá también”, quizás, haya más libertad de creatividad… Experiencias personales, puntos de vista al respecto…
AC:… Creo que, nunca he tenido una experiencia que no haya tenido toda la libertad personal para hacer una película. Yo no puedo hacer películas que no sean personales. No podría. De hecho, “La princesita” me parece mi película más personal de todas las que he hecho. Con esto no quiero decir que no puedo hacer malas películas. Créeme, puedo hacer películas malísimas. Pero, todas personales…
ER-C: Entonces, podemos hablar que usted adaptó un estilo diferente.
AC: No…
ER-C: ¿O un lenguaje distinto?
AQ: Son lenguajes distintos. Son gramáticas distintas. Una es una fábula. La otra tiene la inmediatez de casi un estilo novelístico.
ER-C: ¿No le molestó que fuese un remake lo que estaba haciendo?
AC: No, yo ni me enteré hasta después que había otra película. Como nunca vi la de Shirley Temple (“The Little Princess”, 1939). Yo me enteré, después que la estaba preparando, que había una de Shirley Temple. Entonces, decidí no verla. Y, la verdad, ya que terminé, la vi y no me gustó. Así que, no tuve ‘broncas’.
ER-C: Y, finalmente… Su experiencia trabajando, ahora, con… Gary Oldman (en "Harry Potter”)…
AQ: ¡Genial!… Estos personajes, aunque hechiceros y brujos, tienen emociones totalmente humanas. Entonces, había que ‘anclar’ esas emociones para armar estos personajes.
ER-C: Muchas gracias por su tiempo. Muchas felicidades…
AC: Yo te agradezco muchísimo.
ER-C: Su trabajo, excelente…
AC: Muchísimas gracias.
México (2001)
Dirección: Alfonso Cuarón
Guión: Alfonso Cuarón, Carlos Cuarón
Cinematografía: Emmanuel Lubezki
Música: Annette Fradera, Liza Richardson
Edición: Alfonso Cuarón, Alex Rodríguez
Duración: Una hora, 46 minutos
"Y tu mamá también" se estrenó en Brasil y México
el 8 de junio del 2001. Y en retrospectiva se
exhibirá el 8 de noviembre en Koubek Center durante
el MDC’s Miami Film Festival GEMS 2024 donde se le
entregará el premio 'Precious Gema' a Alfonso Cuarón
por su trayectoria profesional el 9 de noviembre
en Silverspot Cinema 13
Galardones
Premio 'Marcello Mastroianni': Mejor Actor o Actriz
Emergente (Gael García Bernal, Diego Luna), 'Osella
de Oro': Mejor Guion del Festival Internacional
de Cine de Venecia 2001.
Premio del Jurado 2001: Mejor Filme en Idioma
Extranjero del Ft. Lauderdale International
Film Festival.
Premio NBR (National Board of Review of Motion
Pictures) 2002: Película Destacada en Idioma
Extranjero.
Premio 'Critics Choice' 2003 de la 'Broadcast
Film Critics Association': Mejor Película
de Habla No Inglesa.
Premio Independent Spirit 2003: Mejor Película
en Lengua No Inglesa.
Nominación
Premio Oscar 2003 de la Academia de Artes y
Ciencias Cinematográficas: Mejor Guion
Original
México, Estados Unidos (2024)
Dirección, guión: Alonso Ruizpalacios
(basado en la obra teatral de Arnold Wesker)
Cinematografía: Juan Pablo Ramírez
Música: Tomás Barreiro
Edición: Yibrán Asuad
Clasificación: R. Duración: Dos horas, 19 minutos
"La Cocina" se estrenó el 16 de febrero en Berlin
International Film Festival. Y se exhibió el 2 de
noviembre en Koubek Center durante el MDC’s Miami
Film Festival GEMS
Galardones
'Prix Barrière du 50ème' del Festival de Cine
Estadounidense de Deauville 2024.
'Grand Prize': 'Narrative Feature' de Heartland
International Film Festival 2024.
Mención de Honor: Mejor Largometraje Narrativo
de Philadelphia Film Festival 2024.
James Woolley-Director Ejecutivo del Miami Film Festival
y Alexis Garcia-Productor Ejecutivo de "La Cocina" en la
presentación de la película el 2 de noviembre en
Koubek Center Theater (Foto: ER-C)
China, Estados Unidos (2024)
Dirección, cinematografía: Elizabeth Lo
Guión: Elizabeth Lo, Charlotte Munch Bengtsen
Música: Brian McOmber
Edición: Charlotte Munch Bengtsen
Duración: Una hora, 34 minutos
Primer plano de un rostro femenino. Se trata de la señora Li mientras la atienden en una peluquería. Música (ópera de Puccini). Título del filme. Ahora está frente a su esposo, el señor Li, comiendo los dos, en un documental que linda entre el docudrama y la ficción. Ella le cuenta a su hermano y a Wang Zhenx -un tipo inusual de consejera matrimonial- las infidelidades de su conjugue. La música siempre acompaña estos momentos de íntima intensidad. Primer plano cercano de sus ojos. Escena de un matrimonio joven vestidos de novios durante una sesión fotográfica en estudio. Confesiones del señor Li a Wang, la maestra especialista en adulterio (en una ocasión él mira hacia la cámara y se tapa el rostro como sintiendo incomodidad). Al fin menciona el nombre de la amante: Fei Fei. Soliloquio de la esposa. La música, que es magnífica (igual, toda la selección musical), se escucha en ese instante más intensa. Como cuando la cámara realiza un ‘panning’ a caras de muchachas al mismo tiempo que se oye “Hardcore” por Odezenne. Del mismo modo, los ruidos se convierten, algunas veces también, en protagonistas ambientales. El momento que Wang le anuncia al equipo de filmación el encuentro frente-a-frente, próximo a suceder, entre la señora Li y Fei Fei sirve para hacer recordar se trata de un documental basado en acontecimientos reales, pero narrado artísticamente bien (ER-C). "Mistress Dispeller" se estrenó el 2 de septiembre del 2024 en Venice Film Festival y el 6 de ese mismo mes y año en Toronto International Film Festival. El 2 de noviembre se exhibe en Silverspot Cinema 13, estreno en Florida, como parte del MDC’s Miami Film Festival GEMS 2024
Galardón
Premio al Mejor Director 'Authors under 40 Award'
del Venice Film Festival 2024
"Dane-ye anjir-e ma'abed"
Irán, Alemania, Francia (2024)
Dirección, guión: Mohammad Rasoulof
Cinematografía: Pooyan Aghababaei
Música: Karzan Mahmood
Edición: Andrew Bird
Duración: Dos horas, 48 minutos
"The Seed of the Sacred Fig" se estrenó el 24 de mayo en
Cannes Film Festival. Y el 1ro de noviembre en Coral
Gables Art Cinema durante el MDC’s Miami Film
Festival GEMS 2024
Galardones
Premios Palma de Oro, Especial del Jurado, FIPRESCI,
del Jurado Ecuménico, 'François Chalais'(Mejor
Película) del Festival de Cannes 2024.
Premio del Público (Ciudad de Donostia): Mejor
Película Europea del Festival Internacional
de Cine de San Sebastián 2024.
España, Estados Unidos (2024)
Dirección, guión: Pedro Almodóvar
(basado en la novela "What Are You
Going Through" de Sigrid Nunez)
Cinematografía: Eduard Grau
Música: Alberto Iglesias
Edición: Teresa Font
Clasificación: PG-13. Duración: Una hora, 47 minutos
"La habitación de al lado" se estrenó el 2 de septiembre
en Venice Film Festival. Y el 30 de octubre fue la
apertura en Koubek Center del MDC’s Miami Film
Festival GEMS 2024
Galardones
León de Oro y 'Brian Award' del Festival
Internacional de Cine de Venecia 2024
le rinde homenaje al genio del cine
cómico silente Buster Keaton con
la inclusión de escenas de su
filme "Seven Chances" (1925)
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República Dominicana (2004)
Dirección: Gabriella A. Moses
Guión: Mariana Rondón, Marité Ugás
Cinematografía: Micaela Cajahuaringa
Música: Cresencio 'El Prodigio' García
Edición: Cecilia Delgado
Duración: Una hora, 37 minutos
"Boca Chica" se estrenó el 11 de junio del 2023
en Tribeca Film Festival. Y el 29 de octubre
se exhibió en Koubek Center durante el MDC’s
Miami Film Festival GEMS 2024
Galardón
Premio 'Nora Ephron' del Tribeca Film
Festival 2023
La realizadora Gabriella Moses, junto a la
Directora de Programación del Miami Film
Festival, Lauren Cohen, en la presentación
del largometraje dominicano "Boca Chica"
(Foto: ER-C. Octubre 29, 2024)
*****
"Bajo terapia"
España (2023)
Dirección: Gerardo Herrero
Guión: Gerardo Herrero (basado en
la obra de Matías del Federico)
Cinematografía: Juan Carlos Gómez
Música: Paula Olaz
Edición: Clara Martínez Malagelada
Duración: Una hora, 33 minutos
Un motorista circula por una calle (avanza de espalda a la cámara). Entonces aparece caminando una de las protagonistas: ‘Alexandra Jiménez’, rubia. La motocicleta continúa su recorrido. Y entra en escena la segunda participante: ‘Eva Ugarte’, pelinegro. Sigue la moto y la música acompañante. Ahora se identifica al conductor: ‘Antonio Pagudo’. Llega un taxi de donde desciende una pareja, de maduros: ‘Juan Carlos Vellido’ y ‘Malena Alterio’. Después de esta presentación se muestra ya el título del filme: "Bajo terapia". Todos ellos arriban a un salón que está identificado con un curioso cartel: ‘La fábrica de gomas’ (¿para enseñar y entrenar a ‘rebotar’?). Y en la medida que comienza la trama, empieza también a definirse los personajes. Daniel (Fele Martínez) se comporta como una persona impaciente y hasta impetuosamente grosero. Por el contrario, Esteban (Pagudo), alias ‘Teby’, es entusiasta y bromista al punto que llega a exasperar varias veces al malhumorado Daniel. Carla (Ugarte) dice tener 36 años y ser arquitecta. Laura (Jiménez), no revela su edad, pero sí que es abogada. Cuando Daniel, quien es contador, manifiesta tener 46 años todos se ríen. Sin embargo, Roberto (Vellido), comerciante, declara tener 48 años y nadie lo duda. Marta (Alterio) es profesora de una guardería y no encubre su edad: 43 años. Antonia, la sicóloga, ha preparado en ausencia una terapia de grupo imprevista. Para eso les ha dejado varios sobres numerados que contienen instrucciones a seguir. Además, una trompeta que debe ser sonada al irse superando cada una de las etapas escritas. Y, tras esa introducción, comienzan las sesiones (el filme en sí). Conflictos, choques de caracteres, ofensas, mentiras. Bromas, risas, confesiones. Exposición de secretos y verdades antes reprimidas. Más un sorpresivo desenlace que pretende saltar de manera arrolladora la línea divisora entre ficción y realidad; entre el cine y lo cotidiano inmediato (ER-C). "Bajo terapia" se estrenó el 12 de marzo del 2023 en el Festival de Cine Español de Málaga. Y en Estados Unidos el 11 de abril durante la 41 Edición del MDC’s Miami Film Festival bajo el título "Under Therapy". El 13 de septiembre se reestrena en Coral Gables Art Cinema de Miami.
Galardón
Biznaga de Plata: Premio Especial del Jurado 2023
del Festival de Málaga
Nominación
Premio Goya 2024 de la Academia de las Artes
y las Ciencias Cinematográficas de España:
Mejor Actor de Reparto (Juan Carlos
Vellido)
"Saben aquell"
España (2023)
Dirección: David Trueba
Guión: David Trueba, Albert Espinosa
(basado en la novela de Gerard Jofra)
Cinematografía: Sergi Vilanova Claudín
Música: Andrea Motis
Edición: Marta Velasco
Duración: Una hora, 57 minutos
‘¿Por qué los comediantes siempre están tan tristes?’. Eugenio
(David Verdaguer) enciende un cigarro; fuma. El público espera. Algunas risas. El espectador en las salas de cine se siente igual. Hasta que comienza la función (y la película). Dentro de un autobús se escucha la noticia de la muerte de Ernesto Che Guevara en La Higuera, Bolivia. Buen recurso fílmico para ubicar la época cuando transcurre el argumento: 1967. El primer encuentro, en el mismo vehículo, entre Eugenio y Conchita (Carolina Yuste), portando ella su guitarra. Él la sigue hasta el mesón donde ella canta interpretando, en puro catalán, “De mica en mica” de Joan Manuel Serrat (más adelante Conchita dice que lo conoció, y se refiere al cantante barcelonés como ‘guapísimo’). Ambos se hacen pareja en los escenarios y en la vida sentimental. ‘Nadal (Día de Navidad) 1968’. Eurovisión 1970. “Un beso y una flor” por Nino Bravo, 1972 (excelente homenaje). La muerte de Franco, otra buena referencia para ubicar la época: Noviembre de 1975 (sin caer en los típicos mensajes panfletarios para la ocasión). Aunque Eugenio, en un estanquillo de periódicos, en vez de comprar uno con la noticia adquiere una publicación cómica titulada “Mucha Guasa” en la que hay una caricatura de un hombre mirando una tumba con una cruz y exclamando: ‘¡Ostras! Si que empezó bien la semana’ (¿había censura durante el franquismo?). Y también el anuncio de la muerte de la cantautora española Cecilia por TV: Agosto de 1976. Bromas. Hospital. Radiografía. A Conchita le confirman la presencia de un tumor en un seno. La madre murió de la misma causa dos años antes. ‘De un día para otro’, recuerda ella. Primer plano de su rostro sombrío. Risas. Paneo hacia el escenario donde Eugenio hace una broma, precisamente, sobre una consulta médica. Más risas. Mastectomía. Quimioterapia. Caída del cabello. Repertorio de más chistes. Todo combinado en un montaje que se hace expresivo. De esa manera la tristeza de ella se une al semblante impávido de él. Nueva residencia. Piscina. Carro deportivo. Infelicidad. El primer plano de la cara de Eugenio mientras conduce en la soledad de la noche y escucha “Un beso y una flor” lo hacen bien merecedor del Goya al Mejor Actor. Esa sola toma capta toda la soledad y el derrumbe emocional de quien ha vivido haciendo reír a los demás. ‘1,000 chistes hasta su muerte a los 59 años’ (ER-C). "Saben aquell" se estrenó en Barcelona, España, el 23 de octubre del 2023. En EE.UU. se estrena bajo el título "Jokes & Cigarettes" el 13 de septiembre en Coral Gables Art Cinema de Miami
Galardón
Premio Goya 2024 de España: Mejor Actor Protagonista
(David Verdaguer)
Nominaciones
Premios Goya 2024: Mejor Película (Edmon Roch,
Jaime Ortiz de Artiñano), Dirección, Guión Adaptado,
Dirección de Producción (Eduard Vallès), Actriz
Protagonista (Carolina Yuste), Sonido (Xavier Mas,
Eduardo Castro, Yasmina Praderas), Música Original,
Dirección de Arte (Marc Pou), Diseño de Vestuario
(Lala Huete), Maquillaje y Peluquería (Caitlin
Acheson, Benjamín Pérez, Nacho Díaz)
Alemania, Argentina (2023)
Dirección: German Kral
Guión: Stephan Puchner, Fernando Castets,
German Kral
Cinematografía: Christian Cottet,
Daniel Ortega
Música: Gerd Baumann
Edición: Hansjörg Weissbrich,
Patricia Rommel
Duración: Una hora, 30 minutos
Puro tango porteño. Bandoneón que ‘llora’ su típica melodía y toca lo más profundo del corazón. Lo mismo sucede con la economía (en noviembre del 2001, época en que transcurre el filme) afectando los bolsillos y sueños de muchos argentinos. Entre ellos, los de Julio Färber (Diego Cremonesi) quien desea emigrar a Alemania en busca de un ‘país mejor’. Pero, el taxi de Mariela Martínez (Marina Bellati) se interpone en su ruta y arruina también el auto de él. De pronto acontece el tristemente célebre ‘Corralito’ (restricción de retiro de efectivos en los bancos). Anarquía. Violencia. Y el tango, más los recuerdos de un pasado mejor, son como tabla de salvamento para los amigos del grupo musical denominado "Vecinos de Pompeya": Carlos Acosta (Carlos Portaluppi), al piano; Tito Godoy (Rafael Spregelburd), en el violonchelo; Atilio Fernández (Manuel Vicente), violín; Ricardo Tortorella (Mario Alarcón), canto; y Julio, bandoneón. Bellísima y poética escena del niño sordomudo, Pablito Matías (Luque Benante), al colocar su mano sintiendo las vibraciones sobre el bandoneón de Julio mientras este interpreta “El día que me quieras”. El tango canción compuesto por Carlos Gardel y Alfredo Le Pera (así se lo hace saber el músico de 'medio tiempo' al muchacho). En las calles seguirán aumentando la tensión, las protestas y la presencia policial (excelentes tomas de archivo). A la par Tortorella interpreta “Cambalache” (un tango de la autoría, en 1934, de Enrique Santos Discépolo). Muy bien logradas las inserciones y la edición. No obstante, de todo lo acontecido en la trama el desenlace se presenta como un tipo de metáfora que aparenta ser un perfecto ‘final feliz’ (ER-C). "Adiós Buenos Aires" se estrenó el 4 de marzo de 2023 en MDC’s Miami Film Festival. El 10 de mayo de 2024 se reestrena en Los Angeles Laemmle Royal y en Coral Gables Art Cinema de Miami con recepción, más la presencia del director Germán Kral; además, exhibición de tango y baile a cargo de Rocio Leguizamón y German Filipeli. El 11 de mayo se proyecta en Cinema Paradiso Hollywood (Florida) también con recepción. Y el 12 de mayo en Savor Cinema de Fort Lauderdale.
Galardón
Premio de la Audiencia del Musikfilmtage Oberaudorf 2023
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"Adiós Buenos Aires", concedió una entrevista
exclusiva a Ernesto Rodriguez-Carbó
para Séptimo Arte Por Excelencia
ER-C: Para comenzar pudiese hablar, por favor, de sus primeros años viviendo en Argentina y cómo nació su amor por el cine durante esa época. Por ejemplo, películas, actores o directores que recuerda, quizás, de una manera especial por haber influenciado en su profesión.
GK: Nací en Buenos Aires en 1968. A los 15 años comencé a estudiar fotografía. Sacaba fotos en blanco y negro, las revelaba y copiaba yo mismo; de noche, porque en mi cuarto oscuro entraba luz. Además, me gustaba leer, escribir, y tocar ‘muy mal’ la guitarra. En algún momento fui a un taller de cine en Super-8. Hicimos un cortometraje, y el trabajo de la filmación me encantó. Comencé a estudiar Etnología en la Universidad de Buenos Aires. Un día vi en un cine de la calle Corrientes EL ESTADO DE LAS COSAS de Wim Wenders. Salí del cine transportado a otro mundo. Poco después vi LAS ALAS DEL DESEO de Wim Wenders también. Luego vi EL SACRIFICIO de Andrzej Tarkowski. Recuerdo que después que la película terminó me quedé a verla por segunda vez. Entre las películas de Wim Wenders y Tarkowski nació mi profundo deseo querer hacer cine. Un día me enteré que Wim Wenders había estudiado cine en Múnich. Yo ya estaba estudiando alemán en Buenos Aires, probablemente influenciado por Borges y su amor por las lenguas extrajeras. Decidí que Múnich era el lugar donde quería estudiar… No fue fácil, pero la vida colaboró para que lo logre. Estoy muy agradecido por haberlo podido hacer.
ER-C: En Alemania usted ha trabajado con un director que admiro en particular, Wim Wenders, a quien tuve oportunidad de entrevistar en el 2006. ¿Qué nos puede compartir acerca de ese gran privilegio? Enseñanzas, anécdotas importantes, etc.
GK: Wim Wenders fue (como un regalo del destino) mi profesor en la Escuela de Cine de Múnich. Como Wenders en un gran artista y un gran cineasta, en lugar de explicarnos cómo filmar una película frente al pizarrón, nos propuso que filmásemos una película con él. Es así que varios estudiantes de la Escuela de Cine de Múnich, filmamos en Berlín una película que se llamó DIE GEBRÜDER SKLADANOWSKY (Los Hermanos Skladanowsky). Para mí, poder estar compartiendo un set de filmación con Wim Wenders era tocar ‘el cielo con las manos’. Pero hubo algo muy especial que pasó durante la filmación de esa película, que fue muy importante para mí. El equipo de producción estaba dirigido por estudiantes. El chico que hacía producción, se olvidó de chequear la disponibilidad del actor principal, Udo Kier. Dos semanas antes de comenzar a filmar, nos enteramos que Udo Kier estaba filmando una producción de Hollywood en Praga y que no estaría disponible durante nuestros días de filmación. Un director ‘normal’ hubiese abortado el proyecto. Wim Wenders nos reunió a todos y nos dijo algo así como: ‘Tenemos que transformar esta dificultad en una virtud’. Fue así que después de proponer varias ideas, Wenders propuso filmar toda la película ‘desde el punto de vista del protagonista’. Es decir, ‘lo que él veía’. De ese modo, no necesitaríamos a Udo durante la filmación. Así lo hicimos. Luego, durante un fin de semana, Udo Kier se escapó de su filmación en Praga, voló a Berlín y en uno o dos días filmamos todos los contraplanos con él. Esta perspectiva funcionó fabulosamente bien y le dio a la película un estilo propio, personal y distinto. Fue un gran aprendizaje para todos nosotros.
ER-C: En la obra fílmica de German Kral hay una gran presencia tanto de la música cubana como del tango argentino. ¿Cómo ha sabido conjugar en su calidad de realizador esos dos importantes movimientos musicales, aparentemente, disímiles?
GK: Siempre me gustó la música. Desde que, de adolescente, aturdía a mis vecinos en Buenos Aires con mi guitarra eléctrica a la hora de la siesta. Mi incursión en el mundo de las películas musicales se dio naturalmente. Nunca lo busqué. Cuando a Wim Wenders le ofrecieron hacer la continuación del BUENA VISTA SOCIAL CLUB, él dijo que no podía, pero que si yo la hacía él sería mi Productor Ejecutivo. Así fue que pude hacer MÚSICA CUBANA. Luego comencé un documental sobre un bar de tango de Buenos Aires que se llamó EL ÚLTIMO APLAUSO, que comencé a fines de 1999 y terminé en el 2009. Luego hice UN TANGO MÁS (Our Last Tango) y desde el 2002 trabajé en el desarrollo del guion y del proyecto de ADIÓS BUENOS AIRES que pudimos terminar después de 20 años, en 2023. Es decir, la música apareció siempre en mis proyectos, de modo casi… natural. Pero tengo que confesar que me gustan mucho las películas en la que la música tiene un papel importante. Pienso en BRASSED OFF, en FULL MONTY, en PINA, en THE COMMITMENTS, en SEARCHING FOR SUGAR MAN“, en SINGIN’ IN THE RAIN...
ER-C: En "Adiós Buenos Aires", su filme más reciente, toda la problemática de los personajes gira en torno al trágico suceso económico conocido por 'El Corralito’ en Argentina. Sin embargo, el gran desenlace se inclina hacia un perfecto ‘final feliz’. Personalmente, lo vi como tipo de recurso metafórico del sentir general. Sus observaciones al respecto, por favor.
GK: 'El Corralito’ fue una de crisis económicas más difíciles de la Argentina. Que parece, como país y sociedad, estar empecinada, trágicamente, en no querer salir adelante. Pero ‘El Corralito’ es el ‘setting’ de la película. No el tema. 'El Corralito’ me interesó porque mostraba la injusta barbaridad que un gobierno, de un día para el otro, decida no devolverle los ahorros a la gente. Es decir, el propio dinero que esas personas habían ganado con su esfuerzo y su trabajo. Pero la decisión era contar una historia coral, en tono de tragicomedia, con una historia de amor como eje, ambientada en aquella época. Con respecto a la pregunta sobre ‘el final feliz’, creo que la respuesta es muy banal… Soy muy sentimental. Simplemente, me gustan las películas con finales felices.
ER-C: Que otros elementos deberían tenerse en consideración para valorar mejor "Adiós Buenos Aires". En otras palabras, importantes aspectos que haya yo pasado por alto.
GK: Ninguno. Todo lo importante está en la pantalla.
ER-C: Muchas gracias, German Kral, por su tiempo.
GK: Muchas gracias, a usted, Ernesto por sus preguntas inteligentes y su interés en nuestra película.
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Malena Alterio (Marta), Alexandra Jiménez (Laura) y Eva Ugarte (Carla)
en "Under Therapy"
"Bajo terapia"
España (2023)
Dirección: Gerardo Herrero
Guión: Gerardo Herrero (basado en
la obra de Matías del Federico)
Cinematografía: Juan Carlos Gómez
Música: Paula Olaz
Edición: Clara Martínez Malagelada
Duración: Una hora, 33 minutos
"Bajo terapia" se estrenó el 12 de marzo del 2023 en el
Festival de Cine Español de Málaga. Y en EE.UU. el 11 de
abril durante la 41 edición del MDC’s Miami Film Festival.
El 13 de septiembre se reestrena en Coral Gables Art
Cinema de Miami
Galardón
Biznaga de Plata: Premio Especial del Jurado
del Festival de Málaga
Nominación
Premio Goya 2024 de la Academia de las Artes
y las Ciencias Cinematográficas de España:
Mejor Actor de Reparto (Juan Carlos
Vellido)
India (2024)
Dirección, guión: Shuchi Talati
Cinematografía: Jih-E Peng
Música: Sneha Khanwalkar,
Pierre Oberkampf
Edición: Amrita David
Duración: Una hora, 58 minutos
Una escuela, un internado. La ‘pureza’ de los jóvenes: Mira (Preeti Panigrahi) y Sri (Kesav Binoy Kiron). Las estrictas exigencias de los profesores, incluida hasta la manera cómo deben vestirse las alumnas (el largo de sus sayas). Mira frente al espejo. Lo erótico de sus vellos en las axilas. La música. Ella bailando en solitario. No obstante, sus piernas sí son depiladas con la ayuda de su mamá, Anila (Kani Kusruti). Esa escena resalta aún más la sensualidad. Ya acostada y sola practica la autocomplacencia (de espaldas a la cámara). Después huele el objeto que ha utilizado: un osito de peluche. La escena ‘exuda’ y combina pasión e inocencia. El primer ‘supuesto’ beso. Los juegos ‘traviesos’ de Mira y Sri mientas estudian: manos, caricias; incluida una erección ‘accidental’ de él. La insatisfacción de la chica. En una escapada de ambos él le estimula su partes íntimas y ella le devuelve el favor. La madre se le insinúa al muchacho. Así el conflicto queda servido dramáticamente con la rivalidad madre e hija. El primer contacto sexual. La mezquindad al acecho. Tras consumarse el hecho en la escuela reaccionan en contra de Mira. La burla y el boicot de los estudiantes. Sus bajezas y persecución. También la desilusión amorosa (igual, la primera). El regreso a los brazos de la madre toda vez que las puertas se le han cerrado a la chica. La despedida definitiva. Entre lágrimas y aceite las dos abrazan la soledad en un bellísimo desenlace (ER-C)*. "Girls Will Be Girls" se estrenó el 20 de enero en Sundance Film Festival.
Y en la Costa Este de EE.UU. el 6 de abril en Silverspot Cinema 16 durante la 41 edición del MDC’s Miami Film Festival. *Esta película fue reseñada
en el marco del 41 Festival de Cine de Miami, producido
por Miami Dade College.
Galardones
Premio de la Audiencia: 'World Cinema/Dramatic', Premio
Especial del Jurado: 'World Cinema/Dramatic'(Actuación:
Preeti Panigrahi) del Sundance Film Festival 2024
Nominación
Premio 'Jordan Ressler First Feature' del
MDC’s Miami Film Festival 2024
Janet Novás interpreta, convincentemente en todos los sentidos,
a María, una comadrona pueblerina en "The Rye Horn"
"O corno"
España, Portugal, Bélgica (2023)
Dirección, guión: Jaione Camborda
Cinematografía: Rui Poças
Música: Camilo Sanabria
Edición: Cristóbal Fernández
Duración: Una hora, 45 minutos
‘Illa de Arousa, 1971’. Lamentos, dolor, calor sofocante. Asistencia al proceso de parir casero, pueblerino, primitivo. Al fin, el llanto del bebé. Al concluir todo el procedimiento aparece el título del filme. El recién nacido continúa llorando. La lactancia que da vida de manera natural. Pero, hay también un aborto clandestino, arriesgado, arcaico. Y, entre tanto, fiesta, hoguera, fuegos artificiales. ¡Música, baile, magia! Noche de pasión. María, la bella y sensual comadrona, recibe besos sobre la cicatriz por la cesárea de su vientre. Succión de sus magníficos senos. El desahogo del sexo aislado, reprimido, deseado. Y, de pronto, la muerte sorpresiva de Luisa (Carla Rivas) tras el aborto malogrado. La realidad repentinamente cambiante. Pavor, fuga. Las aguas cristalinas de un arroyo bañan los pies ensangrentados de María en la huida. Un primer plano cercano de sus ojos siendo maquillados y sus labios pintados exponen a la hembra en cámara al detalle. Todo lo anterior sumergido, desvanecido en las frías aguas de un río nocturno. Sus esbeltas piernas se mueven temblorosas debido a la gélida noche. Una prostituta negra, Anabela (Siobhan Fernandes), convertida en su amiga, recibe de un cliente semejante succión de las mamas, aunque en calidad de recién parida. Lactación pagana, decadente. Hermosas vistas del exterior ya amanecido. Vacas con sus terneros nadan por el mismo río. María, ahora embarazada, las observa jubilosa, emocionada, cantando. Y, de igual modo como comenzó la historia, un pacto está ocurriendo. El de ella expresando en su rostro total felicidad al contemplar a su hijo arribando al mundo
(ER-C)* "The Rye Horn" se estrenó el 10 de septiembre del 2023 en Toronto
International Film Festival. Y en EE.UU. el 6 de abril en Silverspot Cinema 11
durante la 41 edición del MDC’s Miami Film Festival. Además, el 8 de abril en
Silverspot Cinema 16. *Esta película fue reseñada en el marco del 41 Festival
de Cine de Miami, producido por Miami Dade College.
La directora Jaione Camborda estuvo presente
participando en una sesión de preguntas y
respuestas posterior a la proyección
Galardones
Premio Concha de Oro 2023: Mejor Película del Festival
Internacional de Cine de San Sebastián.
Premio Goya 2024 de España de la Academia de las Artes
y las Ciencias Cinematográficas de España: Mejor
Actriz Revelación (Janet Novás).
Nominación
Premio 'Knight Marimbas'del MDC’s Miami
Film Festival 2024
Foto de Tokitae (Lolita) mirando fija a la cámara. Una imágen
acusadora que ha quedado para la posteridad
"Resident Orca"
Canadá (2024)
Dirección, guión: Sarah Sharkey Pearce, Simon Schneider
Cinematografía: Simon Schneider
Música: Jesse and Josh Zubot
Edición: Tony Kent
Duración: Una hora, 37 minutos
Miami Seaquarium: Oxidado, obsoleto, inadecuado (toma del lugar completamente desolado). Orcas nadando en libertad (filmadas en ‘Pacific Northwest/Salish Sea’). Captura de esos cetáceos; chillidos, chapoteos (en Penn Cove, Washington; material de archivo). Terry Newby, un biólogo testigo de las capturas, relata (ante la cámara) cómo recuerda esos días cuando se atrapó a Tokitae, la popular Lolita, en ‘Agosto 8/1970’. Él muestra una foto en la cual la ballena está mirando fijo al lente. Es una imagen que lo ha perseguido siempre. Así da comienzo al documental (con un plano general lejano) de Lolita nadando en un tanque de dimensiones reducidas muy distante de su hábitat natural: el inmenso océano. Un proceso inhumano que va desde la captura, el confinamiento y la explotación comercial. Marcia Henton, una ex entrenadora defensora actual, narra sus impresiones y reacción al ver por primera vez el espacio tan pequeño donde debía nadar y actuar el indefenso animal. El suicidio de Hugo la otra orca que vivió en cautiverio junto a Lolita. En la medida que avanza el reportaje fílmico se va exponiendo y analizando las consecuencias tan negativas relacionadas a los sometimientos y negocios de la misma manera que ocurre con elefantes y otras especies en los circos. Prácticas que se remontan a los tiempos de la esclavitud y al Coliseo de Roma. Muchos de los entrevistados se emocionan hasta las lágrimas al recordar la manera que han terminado otros ejemplares que pasaron por igual procedimientos. Tal fue el caso de Caco que murió de neumonía en Noruega. Lo mismo se les trasmite a los espectadores cuando se da la noticia del fallecimiento de Sk’aliCh’elh-tenaut, el nombre que le dieron a Lolita la Nación Lummi del Estado de Washington, una comunidad nativa que tiene una profunda conexión con las orcas (desgarradora secuencia filmada mediante un drone mientras era removida, ya muerta, de su tanque; entiéndase mejor, cárcel). Un velorio acompañado de cantos tradicionales de los nativos. Después rumbo a Salish Sea -el mismo lugar destinado antes a la liberación- para depositar los indígenas Squil-le-he-le (Raynell Morris) y Tah-Mahs (Ellie Kinley) algunos de los restos simbólicos de ella. Ahí vive todavía la madre de Lolita quien se estima cuenta cien años de edad. Profundo, conmovedor, este material fílmico invita a recordar uno de los pensamientos de Mahatma Gandhi: ’La grandeza de una nación y su progreso moral pueden ser juzgados por la forma en que se trata a sus animales’. Enriquecería quizás agregar: ‘Pueden ser juzgados por la forma cómo tratan a los animales los seres humanos’ (ER-C)*. "Resident Orca" se estrena mundialmente el 6 de abril en Silverspot Cinema 13 durante la 41 edición del MDC’s Miami Film Festival. Y también el 9 de abril en Regal South Beach 17. *Esta película fue reseñada en el marco del 41 Festival de Cine de Miami, producido por Miami Dade College.
estuvieron presentes participando en una sesión de
preguntas y respuestas posterior a cada proyección
Nominación
Premio 'Knight Documentary Achievement': Mejor Documental
del MDC’s Miami Film Festival 2024
"Vera y el placer de los otros"
Argentina (2023)
Dirección, guión: Romina Tamburello, Federico Actis
Cinematografía: Lucas 'Panda' Pérez
Música: Pablo Crespo
Edición: Danalí Riquelme
Duración: Una hora, 44 minutos
Vera (Luciana Grasso): Aventura, redes sociales, osadía, ‘sexo a la vista’. ‘La gente no busca. La gente compra lo que le saben vender’, le dice una amiga a la madre de Vera, Adriana (Inés Estévez), quien tiene un apartamento que le cuesta tratar de vender o alquilar. Vera: Pícara, calenturienta. Espía y escucha silenciosa los sonidos íntimos de las parejas a las que les ha alquilado, clandestinamente, el piso de mamá. También disfruta al imaginar el encuentro lésbico de dos clientes suyas. Aspira los olores dejados por ellas y un objeto olvidado sobre una manta la cual usará de fetiche para masturbarse. Con cada cita su excitación irá siendo cada vez más explosiva. Y después de tanto quehacer de adolescencia la desilusión ‘golpea a la puerta’. Bienvenida a los días de desilusión y pensamientos oscuros (escenas recurrentes en forma de flashbacks de la madre engañando al padre con un amigo de la familia). No obstante, los contratiempos típicos de la edad, la vida joven debe continuar. Música, deportes, amigos y, en el caso de Vera: ¡más aventuras amorosas! (ER-C)*. "Vera and the Pleasure of Others" se estrenó el 12 de noviembre de 2023 en Estonia (Tallinn Black Nights Film Festival). Y en EE.UU. el 6 de abril en Koubek Center durante la 41 edición del MDC’s Miami Film Festival. La directora Romina Tamburello y el productor Santiago King estuvieron presentes participando en una sesión de preguntas y respuestas posterior a la proyección. *Esta película fue reseñada en el marco del 41 Festival de Cine de Miami, producido por Miami Dade College.
Nominación
Premio 'Jordan Ressler First Feature'
del MDC’s Miami Film Festival 2024
En "Los Frikis" Gustavo (Eros de la Puente) encuentra libertad,
bienestar y rock; además del amor de María (Adria Arjona)
"Los Frikis"
Estados Unidos, República Dominicana (2024)
Dirección, guión: Michael Schwartz, Tyler Nilson
Cinematografía: Santiago Gonzalez
Música: Steven Price
Edición: Jon Otazua
Duración: Una hora, 45 minutos
"Los Frikis" se estrenó mundialmente el 6 de abril en Adrienne
Arsht Center-Knight Concert Hall durante la 41 edición del
MDC’s Miami Film Festival
estuvieron presentes participando en una sesión
de preguntas y respuestas posterior a la
proyección. También la actriz Adria
Arjona y gran parte del elenco
Galardón
Premio 'Knight Marimbas'del MDC’s Miami
Film Festival 2024
"Todo el Silencio"
México (2023)
Dirección: Diego Del Rio
Guión: Lucía Carreras
Cinematografía: Octavio Arauz
Música: NA Juarez
Edición: Perlis Lopez, Samuel Kishi
Duración: Una hora, 22 minutos
México: Ciudades ruidosas. Miriam (Adriana Llabres), entre un mundo silencioso y los sonidos ambientales imprevistos. Ejercicios teatrales corporales donde ella llega a sentir las olas del océano (la cámara la sigue). Junto a su pareja Lola (Ludwika Paleta) en la intimidad expresan todo su éxtasis como parte también de la gama sonido-silencio del cotidiano vivir de ambas. No obstante, el mundo de Miriam se irá achicando o, más explícitamente, apagando (la edición de audio cumple aquí un rol fundamental, lo mismo los tonos sonoros generados que integran la trama) por la disminución paulatina de la capacidad de oír lo que significa la pérdida de su otra pasión: la actuación. Una ansiedad sobrecogedora que se apoderará de su persona (un sentir que, por igual, es capaz de captar el espectador). Llabres es extraordinaria en su papel. Su aislamiento resulta más cruel porque la aparta de un bando, el de la gente ‘normal’, y los otros que tienen dificultades auditivas. Y eso debido, por ejemplo, a que dejará de escuchar poco a poco su música y ópera favoritas. La interrelación entre la melodía y su rostro entristecido lleno de lágrimas son de una profundidad visualmente bella. Manuel (Moisés Melchor), un sordo-mudo usando el lenguaje de signos: ‘Estás entrando en un mundo diferente y tendrás que empezar a pensar diferente’. Miriam, también con signos: ‘No quiero entrar en un mundo diferente’ (mientras de fondo se siente el ruido del tráfico constante). El silencio ‘asfixiante’. Las vibraciones musicales que enternecen los sentidos. El daño irremediable. El adiós a un ayer que moldeó lo físico e intelectual. La llegada de un hoy afectado, triste, silencioso (ER-C)*. "All the Silence" se estrenó el 6 de octubre de 2023 en Polonia (Warsaw Film Festival). Y en EE.UU. el 6 de abril en Silverspot Cinema 16 durante la 41 edición del MDC’s Miami Film Festival. *Esta película fue reseñada en el marco del 41 Festival de Cine de Miami, producido por Miami Dade College.
El director Diego Del Rio estuvo presente
participando en una sesión de preguntas
y respuestas después de la proyección
Nominación
Premio 'Jordan Ressler First Feature'del MDC’s Miami
Film Festival 2024
Estados Unidos (2023)
Dirección, guión, cinematografía, música,
edición: Daniel Lago
Duración: Una hora, 40 minutos
"A Communist Brainwashed My Daughter" se estrenó
mundialmente el 7 de abril en durante la 41
edición del MDC’s Miami Film Festival
El director Daniel Lago estuvo presente
participando en una sesión de preguntas
y respuestas después de la proyección
Nominación
Premio 'Made in MIA' del MDC’s
Miami Film Festival 2024
Colombia (2023)
Dirección: Felipe Holguín Caro
Argumento: Manuel Jaimes Triviño
Guión: Felipe Holguín Caro, Andy Sierra
Cinematografía: Mauricio Vidal
Música: Pabla Florez, Boris García,
La Tina Sonido
Edición: Etienne Boussac
Duración: Una hora, 23 minutos
Primeras secuencias: Un mundo selvático, parecido a una aldea africana remota. Pero, al escuchar a los protagonistas hablar español la situación se va definiendo. Igual por la vestimenta como también debido a la manera tan peculiar y acogedora de expresarse la gente. Incluso, por la posibilidad de poder comprar ellos un diario en búsqueda de últimas noticias. Desde que entra en escena, corriendo olímpicamente y comunicándole a los lugareños el gran evento boxístico que se avecina, se percibe que Laureana (Elizabeth Martínez) es el alma de la película; el prototipo de líder local. Ella demuestra ser una ‘fuera de serie’ que ‘brilla con luz propia’. Tras la primera impresión, al comenzar el filme, la vereda de la comunidad La Suprema irá ‘adquiriendo corazón’. Un sitio aislado a quien alguien procedente de ahí, ahora convertido en un político nacional: Crisanto Valdés, se encargó literalmente de borrar del mapa; por negarse a reconocer donde nació él, diciendo que procedía, el muy acomplejado, de Cartagena. Las discusiones en la mesa del dominó entre los amigos. La música, la fotografía, ¡son estupendos! Lo mismo el viaje de Laureana a la ciudad portuaria. Su emoción de ver el mar por vez primera. Los edificios, la vida moderna. Lo mismo ocurre relacionado a la historia de Efraín (Antonio Jimenez). ¡Honorable! Efraín: ‘El man (un mágico) nos ofreció plata para que perdiéramos. Mi entrenador aceptó. Pero, como yo dije que no, me cerraron las puertas. Yo nunca peleé por la plata. Yo peleé por la dignidad de ganar’.Laureana: ‘Efraín, entréname’… ‘Yo no me voy a vender’.El pueblo espera esperanzado la gran pelea que protagonizará un hijo del lugar. Sin electricidad. Sin agua. Una vida bien primitiva. No obstante, todos bailan y disfrutan felices. Es una película plena de entusiasmado. Hasta que el encanto vuelve a desaparecer para regresar al rutinario vivir y a las ‘consignas morales’ por parte de Efraín. Junto a la cinta el espectáculo ha terminado (ER-C)*. "La Suprema" se estrenó el 8 de septiembre del 2023 en Toronto International Film Festival. Y en EE.UU. el 7 de abril en Silverspot Cinema 16 durante la 41 edición del MDC’s Miami Film Festival. *Esta película fue reseñada en el marco del 41 Festival
de Cine de Miami, producido por Miami Dade College
El director Felipe Holguín Caro
estuvo presente participando
en una sesión de preguntas
y respuestas después de
la proyección
Nominación
Premio 'Jordan Ressler First Feature'del MDC’s Miami
Film Festival 2024
"Les Jours heureux"
Canadá (2023)
Dirección, guión: Chloé Robichaud
Cinematografía: Ariel Methot-Bellemare
Música: Orchestre Métropolitain
Edición: Yvann Thibaudeau
Duración: Una hora, 58 minutos
"Days of Happiness" se estrenó el 8 de septiembre del 2023
en Toronto International Film Festival. Y en Florida,
EE.UU. el 7 de abril en Silverspot Cinema 16
durante la 41 edición del MDC’s Miami Film.
Además el 14 de abril en Coral Gables
Art Cinema.
Nominación
Premio 'Knight Marimbas'del MDC’s Miami
Film Festival 2024
"Bo-tong-ui ga-jog"
Corea del Sur (2023)
Dirección: Hur Jin-ho
Guión: Park Eun-kyo, Park Joon-seok
(basado en la novela "The Dinner"
de Herman Koch)
Cinematografía: Go Rak-sun
Música: Cho Sung-woo
Edición: Kim Hyung-joo
Duración: Una hora, 56 minutos
El salvajismo de una discusión de tráfico que se torna violenta seguida de una agresión bien marcada. Atropello, colisión, sangre, quirófano. La salvajada ‘recreacional’ de una cacería de jabalí con perros rastreadores y armas de mira telescópica. Ataque, matanza, tiro de gracia y más remate. Así transcurren las primeras dos secuencias (edición y música ejecutada a violín, dinámicos). El resultado: una niña de ocho años en estado coma por el impacto del auto agresor. La filmación de lo ocurrido se pasa por los noticieros. Y Yeon-kyung (Kim Hee-ae),la sobrina del cirujano Jae-gyu (Jang Dong-Gun) quien salvó a la niña en el salón de operaciones, observa junto a su primo las imágenes de lo ocurrido como si se tratase de un videojuego. Además de vapear, ella, y aplastar un indefenso insecto, él. La defensa del agresor por parte del abogado Jae-wan (Sol Kyung-gu): instrucciones para que su cliente mienta (posteriormente, la cámara muestra el título del libro que el hombre de leyes lee: “El arte de la inocencia”). Se trata de un ‘hijito de papá’. Lo mismo la consentida Yeon-kyung que solicita dinero sin límites a su padre, el abogado, y a su tío, el médico pediatra. Otro incidente. Un indigente es malherido por dos adolescentes. Las cámaras de seguridad del lugar parecen descubrir que se trata de ambos primos (la tensión dramática irá en aumento a la par de la música a solo de violín). Un nuevo impacto. Un ciervo pequeño es atropellado por el auto que conduce el cirujano. Un cuerpo inerte y una víctima inocente más (excelente paralelismo circunstancial sumada todas las acciones anteriores). Una familia ‘normal’ representando el conflicto de lo moral frente al egoísmo inhumano. Y viceversa (ER-C)*. "A Normal Family" se estrenó el 14 de septiembre del 2023 en Toronto International Film Festival. Y en Florida, EE.UU. el 9 de abril en Silverspot Cinema 12 durante la 41 edición del MDC’s Miami Film. *Esta película fue reseñada en el marco del 41 Festival de Cine de Miami, producido por Miami Dade College.
Nominación
Premio 'Knight Marimbas'del MDC’s Miami
Film Festival 2024
España (2024)
Dirección: Guillermo Polo
Guión: Guillermo Polo, David Pascual,
Guillermo Guerrero, Vicente Peñarrocha
Cinematografía: Pablo García Gallego
Música: Pablo Croissier
Edición: Ernesto Arnal, Vicente Ibáñez,
Óscar Santamaría
Duración: Una hora, 44 minutos
El corte satírico se va definiendo desde el mismo momento que aparece en escena un escritor frustrado; o esperanzado. Se trata de Tristán (Pablo Molinero). Pero, cuando entra en el acto Merche (Antonia San Juan; la Agrado de “Todo sobre mi madre”) comienzan a definirse las tonalidades estilísticas a lo Pedro Almodóvar. Como también el cura obeso (Roman Rymar), en calzoncillos, ayudando a cargar el cadáver del hermano de Tristán, ejecutado y conservado en una nevera, para bendecirlo al final. Del mismo modo, las alucinaciones -un aparecido ‘consejero’ en el bar; además, del mismísimo hermano de Tristán, Simón (Isak Férriz)- juegan su rol. Y, más allá de Almodóvar, en “Lo carga el diablo” hay sangre y violencia. Sin faltar la música, la diversión y más sarcásticas visiones bajo intoxicación: Tristán, igual a un literato triunfador. Humor irónico español a todo dar matizado con drogas, necrofilia, crimen y persecución policiaca. En cuanto a la intervención femenina, está Álex (Mero González). Loca, aventurera, mostrando, al fin y por lo menos, sus atractivos pies en el coche. Quizás, el único toque sensual en el filme ya que hay carencia de romance idílico; sólo algunas insinuaciones
de ella hacia el supuesto ‘galán masculino’ (ERC)*. "Devil Dog Road" se estrenó, a nivel mundial, en EE.UU. el 10 de abril en Silverspot Cinema 12 durante la 41 edición
del MDC’s Miami Film Festival. *Esta película fue reseñada en el marco
del 41 Festival de Cine de Miami, producido por Miami Dade College
presente participando en una sesión
de preguntas y respuestas después
de la proyección
Nominación
Premio 'Jordan Ressler First Feature'del MDC’s Miami
Film Festival 2024
Desde los cuatro años de edad Sujo (Kevin Uriel Aguilar Luna)
debe conocer la pérdida violenta de su progenitor, la
persecución y el aislamiento por las confrontaciones
sangrientas de narcotraficantes
"Sujo"
Estados Unidos, México, Francia (2024)
Producción, dirección, guión: Astrid Rondero,
Fernanda Valadez
Cinematografía: Ximena Amann
Música: Astrid Rondero
Edición: Susan Korda
Duración: Dos horas, seis minutos
Parte I/Josué “El Ocho”. Una niñez atropellada. No se trata solo de cuentas pendientes entre los Carteles. Sino de las tantas atrocidades que un niño de muy temprana edad, acosado y escondido, tiene que presenciar. A merced de un entorno, moralmente, ‘podrido’. Parte II/Nemesia. Sujo sin escuelas, sin vida social. Aislado, nada más con la visita ocasional de una mini-familia. Y una tía (Yadira Perez Esteban) quien lo salvó de ser, igual que al padre, liquidado. Se llama Nemesia. Ella lo dice: su nombre significa ‘venganza’. Parte III/Jai y Jeremy. Sujo, ahora un adolescente (Juan Jesús Varela), se autocomplace en privado mientras observa una revista mostrando fotos de mujeres desnudas. Así es su existencia apartada de la sociedad. Hasta que comienza aventurarse, más allá de los límites impuestos, junto a Jai (Alexis Jassiel Varela) y Jeremy (Jairo Hernández Ramírez◊). Sobre todo, de la mano de este último. Parte IV/Susan. Algunas señales esperanzadoras. Trabajo. Escuela. Interés por emprender una vida nueva. Aunque las burlas a su alrededor, cada vez que pasa cerca de un gimnasio, no escasean. Sujo: ‘¿Crees que la gente puede cambiar de vida?’. Susan (Sandra Lorenzano): ‘Sí. Sí se puede’. Pero, el pasado sigue tocando a las puertas de Sujo. Engaño. Traición. La confianza mancillada por un Jai ‘heredero’ de lo malvado y negativo por haber vivido su propia realidad oscura y desalentadora. La dedicatoria en los créditos finales lo puede resumir mucho mejor: ‘A los huérfanos de este país en llamas’ (ER-C)*. "Sujo" se estrenó el 19 de enero en Sundance Film Festival. Y en la costa este de EE.UU. el 11 de abril en Silverspot Cinema 16 durante la 41 edición del MDC’s Miami Film Festival. *Esta película fue reseñada en el marco del 41 Festival de Cine de Miami, producido por Miami Dade College
estuvieron presentes participando en una sesión de
preguntas y respuestas posterior a la proyección
Galardón
Premio Especial del Jurado: 'World Cinema/Dramatic'
del Sundance Film Festival 2024
Nominación
Premio 'Knight Marimbas'del MDC’s Miami
Film Festival 2024
Venezuela, Canadá (2024)
Producción, dirección, guión: Andrés I. Estrada
Cinematografía: Gerard Uzcátegui
Música: Adriana Duque
Edición: Crist Ortiz
Duración: 16:34 minutos
'Conocí a Audio durante un viaje de investigación en los Llanos venezolanos. En el momento en que vio que yo llevaba una cámara, comenzó a contarme historias increíbles. Una de ellas era sobre un enorme caimán que vivía en su estanque. Sugirió que si pasaba la noche con mi cámara, podríamos filmar al caimán, vender las imágenes a Animal Planet y convertirnos en millonarios. Sus palabras, no las mías.Vi en él una profunda pasión por contar historias, y pude percibir el impacto que tenían sus relatos en su familia. Su habilidad narrativa cautivaba a todos, sin importar qué. Tras presenciar esto, me di cuenta de como la tradición oral ha desaparecido en los últimos años. Audio y el Caimán es un documental sobre el poder de narrar historias y el papel importante que desempeña en la familia' (Andrés I. Estrada). "Audio y el Caimán" se estrenó internacionalmente el 11 de abril en Bill Cosford Cinema como parte de la sección Programa de Cortometrajes Documentales de la Universidad de Miami:'Stranger Than Fiction' durante la 41 edición del MDC’s Miami Film Festival
Andrés I. Estrada estuvo presente
participando en la sesión de
participando en la sesión de
preguntas y respuestas
Galardones
Mención Especial: 'International Competition'
y Premio del Público: 'Focus Competition'
del 28vo Regard Festival Internacional
de Cortometraje en Saguenay
(Quebec, Canada) 2024.
Premio 'Short Documentary Film' del
MDC’s Miami Film Festival 2024.
Francia, Marruecos (2023)
Dirección: Nora El Hourch
Guión: Nora el Hourch, Éléonore Gurrey,
Sara Wikler, Raphaëlle Richet,
Violaine Bellet, Nathalie Saugeon
Cinematografía: Maxence Lemonnier
Música: Clément Tery
Edición: Quentin Jourde d'Arzac
Duración: Una hora, 41 minutos
Mensajes en la red social de Internet. Muchachos groseros y agresivos hacia las chicas. Son ahora las muchachas quienes burlonas devuelven la agresión. Hermandad, alegría. Antes las habían amenazados por acoso. Y ellas responden haciendo alusión al movimiento “Me Too". Las tres amigas se sienten libres al hablar. Sobre todo, Djeneba (Médina Diarra). Es la que le pone al grupo por nombre “HLM Pussy”. Amina (Leah Aubert) resulta ser la más equilibrada. En la intimidad del hogar canta junto a su mamá Chantal (la gran actriz Bérénice Bejo). Y también le baila (bellísima secuencia). Siendo Zineb (Salma Takaline) la que sobresale del trío por su atractivo. Están felices porque viajarán juntas a París (al fondo se puede apreciar una foto del trío cuando eran niñas). Es un canto fílmico a la genuina amistad. Pero, Zakaria (Oscar Al Hafiane), enamorado de Zineb, la acecha obligándola a tener relaciones sexuales en un baño. El rostro de la joven se transforma. Se disipa su felicidad (la escena se convierte en una noche oscura). Y, después, un vídeo comprometedor. Manifestaciones de otras chicas en Chile con el mensaje: “Un violador en tu camino”. La publicación. Las reacciones. La persecución. Las consecuencias o el precio que hay que pagar para poderse expresar. El júbilo convertido en lágrimas. La confraternidad en recuerdos de tiempos pasados divertidos (flashback). Para pasar al reencuentro de Amina con su padre. Más el renacer de los vínculos afectivos perdidos entre Djeneba y Zineb, reconquistados por Amina (ER-C)*. "Sisterhood" se estrenó el 10 de septiembre del 2023 en Toronto International Film Festival. Y en Florida-EE.UU. el 11 y 12 de abril en Silverspot Cinema 12 durante la 41 edición del MDC’s Miami Film Festival. *Esta película fue reseñada en el marco del 41 Festival de Cine de Miami, producido por Miami Dade College
Nominación
Premio 'Jordan Ressler First Feature'
del MDC’s Miami Film Festival 2024
Australia (2023)
Dirección, guión: Warwick Thornton
Cinematografía: Warwick Thornton
Música: Nick Cave, Warren Ellis
Edición: Nick Meyers
Duración: Una hora, 36 minutos
Exquisita fotografía mostrando planos generales del exterior. La composición, el encuadre, en función de lo que irá acontecer. Cate Blanchett (como Sister Eileen) siempre sobresaliendo con cada personaje que interpreta. Encuentro de dos culturas, creencias, orígenes. Lo místico. La extracción del veneno de una serpiente y la 'resurrección' a uno de esos reptiles. El sangramiento (estigmatización) de la imagen de Jesús crucificado. La luz entre penumbras debajo de la cama generada en los dedos del niño (Aswan Reid) recién llegado. Él es capaz de efectuar otros milagros y hasta de curar las quemaduras de unos niños por un incendio de maleza. Al abrazar la estatua del hijo del Dios esta cobra vida (movimiento de cabeza y guiño de ojo). Pero, cuando el mismo chico es bautizado, alfabetizado, civilizado (zapatos, uniforme, corte de pelo) pierde los poderes extraordinarios; lo mismo que “Hombre mirando al sudeste” (Eliseo Subiela, 1986). Cristo vuelve a ser una figura inanimada. De esa manera su magia se ha perdido; apagada, cancelada (ER-C)*. "The New Boy" se estrenó el 19 de mayo del 2023 en Cannes Film Festival. Y en Florida-EE.UU. el 13 de abril en Silverspot Cinema 11 durante la 41 edición del MDC’s Miami Film Festival. *Esta película fue reseñada en el marco del 41 Festival de Cine de Miami, producido por Miami Dade College
Galardón
Premio 'Spotlight' 2024 de la American Society
of Cinematographers, USA
"Lluvia"
México (2023)
Dirección: Rodrigo García Sáiz
Guión: Paula Markovitch
Cinematografía: Leonardo Hermo
Música: Ramiro del Real
Edición: Liora Spilk Bialostozky
Duración: Una hora, 20 minutos
Un taxista: Jorge (Bruno Bichir). Un ataque de desespero. Una señora que termina tarde en la noche de trabajar: Sofia (Arcelia Ramírez). Un asalto. Un crimen. Un ser despreciable que se cruza en su camino: Edgar (Tonatiuh Salazar). Y la lluvia. Siempre la lluvia presente. Una pareja que se reúne en el metro: Ana (Cecilia Suárez) y Esteban (Mauricio Isaac). Hastío. Incomunicación. De pronto, alguien se desmaya. Lo asisten. Sólo eso los une. Una enfermera toma el mismo taxi: Angi (Martha Claudia Moreno). Jorge le habla de las infidelidades de su esposa con el hombre que montó antes. En el hospital Angi atiende al muchacho que fue baleado en un asalto. Las historias son paralelas. Se entrecruzan. Dos almas solitarias que se irán descubriendo mutuamente. Una de ellas llegada de tan lejos como Osaka, Japón: Suki (Mayuko Nihei). La música. La huida aventurera. La danza bajo la lluvia. Es el primer soplo de felicidad en el filme. La explosión desesperante de Esteban hacia Ana. El reencuentro de un agresor y su víctima. La confrontación de una trabajadora sexual: Florencia (Morganna Love) con un pasado lejano perteneciente a su niñez. La despedida en el billar. El beso apasionado. Los andantes solitarios. Esteban sin Ana. El árbol que antes había presenciado la prostituta cuando era una niña ahora consumido por el fuego (ER-C)*. "Rain" se estrenó el 24 de octubre de 2023 en México (Festival Internacional de Cine de Morelia). Y en EE.UU. el 13 de abril en Koubek Center durante la 41 edición del MDC’s Miami Film Festival. *Esta película fue reseñada en el marco del 41 Festival de Cine de Miami, producido por Miami Dade College
Nominación
Premio 'Jordan Ressler First Feature'
del MDC’s Miami Film Festival 2024
presente participando en una sesión de
preguntas y respuestas después
de la proyección
Robert De Niro en el papel de Stan, Bobby Cannavale como Max
y William A. Fitzgerald es Ezra
"Ezra"
Estados Unidos (2023)
Dirección: Tony Goldwyn
Guión: Tony Spiridakis
Cinematografía: Daniel Moder
Música: Carlos Rafael Rivera
Edición: Sabine Hoffman
Duración: Una hora, 41 minutos
"Ezra" se estrenó el 13 de septiembre del 2023 en Toronto
International Film Festival. Y en Florida, EE.UU. el 13 de
abril en Adrienne Arsht Center - Knight Concert Hall donde
cerró la 41 edición del MDC’s Miami Film Festival
Antes de la proyección se le
entregó al director, productor
y actor Tony Goldwyn el premio
'Art of Light'
Galardones
Premio del Público a un Largometraje y Mejor
Interpretación en una Película (Bobby Cannavale)
del Sun Valley Film Festival, US 2024.
Gran Premio del Jurado: Mejor Largometraje del
Boulder International Film Festival 2024.
Nominación
Premio 'Knight Marimbas'del MDC’s Miami
Film Festival 2024
*****
"Kimitachi wa dô ikiru ka"
Japón (2023)
Dirección, guión, argumento: Hayao Miyazaki
Cinematografía: Atsushi Okui
Música: Joe Hisaishi
Edición: Rie Matsubara, Takeshi Seyama,
Akane Shiraishi
Clasificación: PG-13 - Duración: Dos horas, 4 minutos
Los detalles en las escenas de fondo como si cada una por separado conformara una sola unidad en específico. Los distintos planos donde las figuras cercanas destacan los trazos y diseños diferente a las distantes. La iluminación con altos dotes de expresión y realismo. Los manejos de los acordes musicales y los tonos sonoros integrados al hilo conductor dramatúrgico. El personaje de la garza gris (voz: Masaki Suda) comenzando con aspecto típico de cuento de hadas y transformado en un ente físicamente grotesco y medio humanoide. Y el argumento que va de lo histórico-ficticio-real (más allá de “The Wind Rises”, 2013) a lo puramente fantasioso-complicado-surreal (mucho más allá que “Spirited Away”, 2001). Conforman un todo estético que trata de abarcar, además del simple y muchas veces banal entretenimiento, el sentir y la inquietud intelectual. No se podía esperar menos de un realizador tan genial como Hayao Miyazaki (ER-C)."The Boy and the Heron" se estrenó en Japón el 14 de julio y abrió el Toronto International Film Festival el 7 de septiembre de 2023.
Galardones
'New York Film Critics Circle' 2023: Mejor Película Animada.
Premio 'National Board of Review' (NBR), USA 2023:
10 Películas Destacadas.
Premio 'Golden Globe' USA 2024: Mejor Película Animada.
Premio 'Oscar' de la Academia de Artes y Ciencias
Cinematográficas, USA 2024: Mejor Largometraje Animado.
Irlanda, Reino Unido, Estados Unidos (2023)
Dirección: Yorgos Lanthimos
Guión: Tony McNamara
(basado en la novela de Alasdair Gray)
Cinematografía: Robbie Ryan
Música: Jerskin Fendrix
Edición: Yorgos Mavropsaridis
Clasificación: R - Duración: Dos horas, 21 minutos
Todo parece haber comenzado en la Antigua Grecia con el concepto platónico de que ‘el cerebro es el asiento del alma’. Siglos después en 1818 la escritora inglesa Mary Shelley publica “Frankenstein o el moderno Prometeo” donde ese órgano vital jugó un rol clave en la obra que James Whale consagraría en el cine con su “Frankenstein”, 1931. También el filme “Donovan's Brain” en 1953 tuvo al cerebro como móvil principal. Y ahora, una vez más, ese es el motivo inicial que en “Poor Things” desata la historia. Más afín y elaborada, aparentemente, que “The Bride of Frankenstein”, 1935, de Whale. Tiene, además, esta realización de Lanthimos un fuerte peso feminista donde los protagonistas masculinos, aparte de la deformidad facial exagerada del Dr. Godwin Baxter (Willem Dafoe), son vulgares bestias pervertidas a nivel de burdel. A diferencia del personaje Duncan Wedderburn (interpretado por Mark Ruffalo) quien despierta ciertas simpatías picaronas al debutar, resultando a la larga un oportunista inmoral que se aprovecha del ‘despertar sexual’ de Bella Baxter (Emma Stone). Sin embargo, las escenas íntimas sensuales de ambos producen un balance provisional bastante atractivo, entre tanto semi surrealismo circundante. El único concebido para desempeñar un papel positivo es el tímido, paciente y caballeroso Max McCandles (Ramy Youssef). Él es capaz de perdonar y aceptar el pasado erótico de Bella. Hasta se convierte en un cómplice de la venganza de ella al estilo de Tod Browning cuando transformaba a la villana de “Freaks (1932) en un pollo magullado. Ahora la nueva ecuación macabra de "Pobres criaturas" se traduce en una inocente cabra sacrificada debido a un despreciable malvado controlador; este último, literalmente, ‘de armas tomar’ (ER-C). “Pobres criaturas” se estrenó el 1ro de septiembre de 2023 en el Festival Internacional de Cine de Venecia.
Galardones
Premios 'Golden Lion' (Mejor Película) y UNIMED de Venice
Film Festival 2023.
Premio 'National Board of Review', USA 2023: 10 Películas
Destacadas, Mejor Actor Secundario (Mark Ruffalo),
Guion Adaptado.
Premio 'Golden Globe' USA 2024 : Mejor Película Musical
o Comedia, Actriz en Musical o Comedia (Emma Stone).
Premio de la Crítica Cinematográfica (Critics' Choice
Awards) 2024 de la Broadcast Film Critics Association
2024: Mejor Actriz (Emma Stone).
Premio 'Oscar', USA 2024: Mejor Actriz (Emma Stone),
Maquillaje y Peinado (Nadia Stacey, Mark Coulier,
Josh Weston).
Dominic Sessa (Angus Tully), Paul Giamatti (Paul Hunham) y Da'Vine
Joy Randolph (Mary Lamb) en "Los que se quedan"
"The Holdovers"
Estados Unidos (2023)
Dirección: Alexander Payne
Guión: David Hemingson
Cinematografía: Eigil Bryld
Música: Mark Orton
Edición: Kevin Tent
Clasificación: R - Duración: Dos horas, 13 minutos
"The Holdovers" se estrenó el 31 de agosto de 2023 en Telluride
Film Festival
Galardones
Premio 'Golden Globe' USA 2024: Mejor Actor en Película Musical
o Comedia (Paul Giamatti), Actriz de Reparto
(Da'Vine Joy Randolph).
Premio 'Critics' Choice' 2024: Mejor Actriz de Reparto
(Da'Vine Joy Randolph).
Premio 'Independent Spirit' 2024: Mejor Interpretación de
Reparto (Da'Vine Joy Randolph), Interpretación Revelación
(Dominic Sessa), Fotografía.
Premio 'Oscar', USA 2024: Mejor Actriz de Reparto
(Da'Vine Joy Randolph).
Florence Pugh y Cillian Murphy, excelentísimos los dos en sus respectivos
papeles como Jean Tatlock y J. Robert Oppenheimer
"Oppenheimer"
Estados Unidos, Reino Unido (2023)
Dirección: Christopher Nolan
Guión: Christopher Nolan (basado en
el libro de Kai Bird y Martin Sherwin)
Cinematografía: Hoyte Van Hoytema
Música: Ludwig Göransson
Edición: Jennifer Lame
Clasificación: R - Duración: Tres horas
Christopher Nolan ganó con su segundo filme "Memento" el premio "Waldo Salt Screenwriting" y Gran Premio del Jurado en Sundance Film Festival 2001; y Mejor Directory Guión en los Film Independent Spirit Awards 2002. Florence Pugh obtuvo el Trofeo 'Chopard' a la Revelación Femenina en Cannes Film Festival 2019. "Oppenheimer" se estrenó en Paris, France, el 11 de julio del 2023.
Galardones
Premio 'Truly Moving Picture' 2023 de Heartland Film.
Premio 'National Board of Review' (NBR), USA 2023: 10
Películas Destacadas.
Premio 'Golden Globe' USA 2024: Mejor Director, Actor
en una Película Dramática
(Cillian Murphy), Actor de Reparto (Robert Downey Jr.),
Partitura Original.
Premio 'Critics' Choice' 2024: Mejor Película, Director,
Reparto, Fotografía.
Premio 'Oscar', USA 2024: Mejor Película (Emma Thomas,
Charles Roven, Christopher Nolan), Director, Actor
(Cillian Murphy), Actor de Reparto (Robert Downey Jr.),
Fotografía, Banda Sonora Original, Montaje.
Estados Unidos, Reino Unido (2023)
Dirección: Greta Gerwig
Guión: Greta Gerwig, Noah Baumbach
Cinematografía: Rodrigo Prieto
Música: Mark Ronson, Andrew Wyatt
Edición: Nick Houy
Clasificación: PG-13 - Duración: Una hora, 54 minutos
Greta Gerwig obtuvo los premios 'Rare Pearl' del Denver International Film Festival 2017, 'Directors to Watcha' del Palm Springs International Film Festival 2018 y el Mejor Guión en los Film Independent Spirit Awards 2018,todos por "Lady Bird". Además los galardones 'Truly Moving Picture' del Heartland Film 2019 y el 'Critics Choice' 2020 al Mejor Guión Adaptado, ambos por "Little Women". Ryan Gosling ganó 'Outstanding Performer of the Year Award' (junto a Emma Stone) en Santa Barbara International Film Festival 2017 y el Mejor Actor en Musical o Comedia de los Golden Globes, USA 2017 por "La La Land". Margot Robbie resultó ganadora a la Mejor Actriz de Comedia del 'Critics Choice Award' 2018 y Mejor Actriz del Año (junto a Allison Janney) en Santa Barbara International Film Festival 2018 por "I, Tonya". "Barbie" se estrenó en Estados Unidos (Los Angeles, California) el 9 de julio del 2023.
Galardones
Premio 'National Board of Review', USA 2023: 10 Películas
Destacadas, Especial Logro Cinematográfico.
Premio 'Golden Globe' USA 2024: Mejor Logro Cinematográfico
y de Taquilla, Canción Original en Película ("What Was I Made
For?" por Billie Eilish y Finneas O'Connell).
Premio 'Critics' Choice' 2024: Mejor Diseño de Vestuario
(Jacqueline Durran).
Premio 'Oscar', USA 2024: Mejor Canción Original (Billie
Eilish, Finneas O'Connell).
Francia (202)
Dirección: Justine Triet
Guión: Justine Triet, Arthur Harari
Cinematografía: Simon Beaufils
Edición: Laurent Sénéchal
Duración: Dos horas, 31 minutos
"Anatomía de una caída" se presentó en Cannes
Film Festival el 21 de mayo de 2023
Galardones
Premio 'Palme d'Or' de Cannes Film Festival 2023.
Premio NBR 2023 (National Board of Review, USA):
Mejor Película Internacional.
Premio 'Golden Globe' USA 2024: Mejor Película en
Lengua No Inglesa, Guión.
Premio 'Critics' Choice' 2024: Mejor Película
de Habla No Inglesa.
Premio Goya 2024 de España: Mejor Película
Europea.
Premio 'César' 2024 de la Academia del Cine
Francés: Mejor Director, Actriz (Sandra Hüller),
Actor Secundario (Swann Arlaud), Guión Original.
Premio 'Oscar', USA 2024: Mejor Guión Original.
Estados Unidos (2023)
Dirección: Martin Scorsese
Guión: Martin Scorsese, Eric Roth
(basado en el libro de David Grann)
Cinematografía: Rodrigo Prieto
Música: Robbie Robertson
Edición: Thelma Schoonmaker
Elenco: Robert De Niro (William Hale), Leonardo DiCaprio
(Ernest Burkhart), Lily Gladstone (Mollie Burkhart),
John Lithgow (Fiscal Peter Leaward), Brendan Fraser
(W.S. Hamilton)
Clasificación: R - Duración: Tres horas, 36 minutos
Desde el mismo comienzo se puede percibir una manera muy peculiar de introducir la historia para ir definiendo lo que acontecerá en el transcurrir del filme. Así como las secuencias de archivo recreadas en blanco y negro (de ficción) avanzando, paulatinamente, hacia la puesta en escena a color. La amargura en el rostro de Ernest Burkhart (DiCaprio), recién regresando de la Primera Guerra Mundial, recuerda al del ‘boina verde’ (Paul D'Amato) en la boda de "The Deer Hunter" (1978). El encuentro de Ernest con su tío William Hale (De Niro) resalta del mismo modo el perfil de los caracteres y la futura relación entre ambos (que será tan tensa y ácida como aquel primer contacto DiCaprio-De Niro en “This Boy's Life”, 1993). El patriarca familiar controlador en uno y el sometido incondicional en el otro hasta las últimas consecuencias; inclusive, cuando ya no haya marcha atrás. La llegada de los automóviles al pueblo anuncia la irrupción sonora de la modernidad a la cultura de la Nación Osage dada antes por la riqueza petrolífera del terreno. Un tipo de ambiente aparente ideal y justo que poco a poco descenderá hasta la más oscura e hipócrita perversidad (los primeros planos fugaces de Hale así lo denotan). Una producción radial (al estilo Woody Allen) anunciando los veredictos y la intervención en la misma del propio Martin Scorsese (de nuevo a lo Alfred Hitchcock) parece intentar aliviar tanto cúmulo emocional. Lo cierto es que, aparte de “Hugo” (2011), “The Aviator” (2004), “Kundun” (1997) o “Raging Bull” (1980), estéticamente “Killers of the Flower Moon” es quizás el mejor trabajo cinematográfico concebido por Scorsese a la fecha (ER-C). "Los asesinos de la luna" se estrenó en Cannes Film Festival el 20 de mayo de 2023.
Galardones
Premio NBR 2023 (National Board of Review', USA): Mejor Película, Director,
Actriz (Lily Gladstone), Especial Logro Cinematográfico.
Premio 'Golden Globe' USA 2024: Mejor Interpretación Femenina
en una Película Dramática (Lily Gladstone).
"The Zone of Interest"
Estados Unidos, Reino Unido, Polonia (2023)
Dirección: Jonathan Glazer
Guión: Jonathan Glazer (basado en la novela de Martin Amis)
Cinematografía: Lukasz Zal
Música: Mica Levi
Edición: Paul Watts
Duración: Una hora, 45 minutos
"La zona de interés" se estrenó en Cannes Film Festival
el 19 de mayo de 2023
Galardones
'Grand Prize of the Festival', 'FIPRESCI Prize', 'CST Artist-Technician Prize'
(Johnnie Burn), 'Soundtrack Award' (Mica Levi) de Cannes Film Festival 2023.
Premio NBR 2023 (National Board of Review, USA): Cinco Mejores Películas
Internacionales.
Premio 'Oscar' 2024: Mejor Película Internacional, Sonido
(Tarn Willers, Johnnie Burn).
Las nuevas protagonistas de "El color púrpura": Fantasia Barrino
(Celie) y Taraji P. Henson (Shug Avery)
"The Color Purple"
Estados Unidos (2023)
Dirección: Blitz Bazawule
Guión: Marcus Gardley (basado en la novela de
Alice Walker y en el musical de Marsha Norman)
Cinematografía: Dan Laustsen
Música: Kris Bowers
Edición: Jon Poll
Clasificación: PG-13 - Duración: Dos horas, 20 minutos
"The Color Purple" se estrenó el 27 de octubre de 2023
en SCAD Savannah Film Festival. El 25 de diciembre
en Canadá y Estados Unidos
Galardones
Premio 'Spotlight': Actriz (Danielle Brooks), 'Directors to
Watch' del Palm Springs International Film Festival 2024
*****
Estados Unidos (2022)
Dirección, guión: Damián Romay
(basado en la obra teatral “Dias Contados”
de Oscar Martínez)
Producción: Damián Romay, Jacobo Rispa
Cinematografía: Juan Hernández
Música: Leo Sujatovich
Edición: Steven Nevius Ace
Duración: Una horas, 36 minutos
Desde el inicio mismo del filme se puede percibir que el estilo del director y su influencia es la televisión. “Isle of Hope” transita y avanza de la misma forma que cualquier telefilme. Como el origen del argumento central viene de una obra de teatro la carga de diálogos es inevitable alejándolo cada vez más, mientras se desarrolla, del lenguaje cinematográfico. Llega un momento en que la trama toca, de alguna manera, ¡“Good Bye Lenin!” (Alemania, 2003; premios César de Francia y Goya de España), aunque ese aspecto lo remite directamente a la obra original. Los típicos flashbacks alusivos a tiempos mejores (breve fragmento de Diane Ladd joven) perennes en la memoria y en el ser dispuesto a no envejecer y a renovarse, aunque para ello el organismo recurra de manera natural a la amnesia emocional; algo así como un recurso espontáneo. Por lo menos eso es lo que plantea y expresa el guión. Además de la carga improvisada de compartir el cotidiano vivir con la persona que necesita cuidados especiales por tener bajo ley existencial los ‘días contados’. Los conflictos Madre-Hija: Carmen (Diane Ladd; premio BAFTA 1976 por “Alice Doesn't Live Here Anymore”)-Victoria (Mary Stuart Masterson) e Hija-Madre: Eleonor (Jessica Lynn Wallace)-Victoria. La vida que se va: la de Carmen. La vida que comienza: el embarazo de Eleonor (ER-C). "Isle of Hope" se estrena, comercialmente, el 23 de febrero en Miami (Coral Gables Art Cinema, AMC Aventura Mall 24, AMC Sunset Place 24, Silverspot Downtown Miami); Fort Lauderdale (Regal Oakwood-Hollywood, Silverspot Coconut Creek, Regal Magnolia Place-Coral Springs, AMC Pompano Beach 18); West Palm (AMC Port St.Lucie); Jacksonville (AMC Regency 24, Epic St. Augustine); Fort Myers/Naples (Regal Belltower, AMC Merchants Crossing 16, Prado Stadium 12-Bonita Springs); Orlando (Winter Park Village, Regal Oviedo Mall, AMC Altamonte Mall, Old Mill Playhouse-The Villages, Regal Hollywood 16-Ocala, Premiere Oaks 10-Melbourne, Epic Clermont); Sarasota (AMC Sarasota 12); Tampa/St Petersburg (AMC Veterans Expressway 24, AMC Regency 20); y Tallahassee (AMC Tallahassee 20)
"They shot the piano player"
España, Portugal, Perú, Francia, Países Bajos,
Reino Unido (2023)
Dirección: Fernando Trueba, Javier Mariscal
Guión: Fernando Trueba
Animadores: Carlos León, Fernando Abaca,
Sophie Olga de Jong, Gonzalo Fraguas Bringas
Música: Lourdes Hernández
Edición: Arnau Quiles
Duración: Una hora, 43 minutos
"Dispararon al pianista" es un tipo de documental animado
que inauguró la Sexta Edición del Ibero American Film
Festival Miami. Se proyectó el 2 de febrero en
Silverspot Miami.
Nominaciones
Festival Internacional de Cine de Palm Springs 2024:
Mejor Documental.
Premio Goya 2024: Mejor Película de Animación.
mientras era entrevistada la noche de apertura de
la Sexta Edición del Ibero-American Film Festival
Miami a la cual asistió en representación de su
corto “LQT” programado para la categoría
de cortometrajes (Foto ER-C)
"Como el mar" la protagonizan Sofia Gala Castiglione, en el papel
de Paula, la legendaria actriz Carmen Maura, interpretando
a Mecha, y Zoe Hochbaum es Azul
"Como el mar"
Argentina, Uruguay (2023)
Dirección: Nicolas Gil Lavedra
Productora: Orca Films
Guión: Gustavo Gersberg, Zoe Hochbaum
Localizaciones: Montevideo, Valizas, Cabo Polonio
Duración: Una hora, 37 minutos
"Como el mar" fue un Estreno Mundial y se proyectó el 8 de
febrero en Silverspot Miami como parte de la programación
de la Sexta Edición del Ibero American Film Festival Miami
Galardón
Premio Panorama Latino del IAFFM 2024
El director Nicolas Gil Lavedra, la actriz Sofia Gala y Zoe Hochbaum,
quien además de actuar es guionista del filme, conversaron
y respondieron preguntas al público asistente después
del estreno de "Como el mar" (Foto: ER-C).
Silverspot Miami-Feb. 8, 2024
En "Érase una vez en los Andes" Maribel Baldeón interpreta a
Margarita, una lugareña que descubre el amor de una manera
sorpresiva
"Érase una vez en los Andes"
Perú (2023)
Dirección, guión: Romulo Sulca Ricra
Producción: Rómulo Sulca, Jhon Pizarro
Cinematografía: Sara Brusciano
Sonido: Raúl Astete
Música: Karin Zielinski
Edición: Adelaida Sancristóbal
Duración: Una hora, 26 minutos
Folclorismo. Belleza natural. Cinematografía refinada. Sin embargo, ese acogedor entorno se verá en una secuencia posterior cubierto de cadáveres esparcidos de peruanos y militares chilenos consecuencia de la Guerra del Pacífico o Guerra del Salitre, entre 1879 y 1884, con Chile enfrentado a los aliados Bolivia (curiosamente, donde incursionaría Ernesto Guevara muchas décadas después) y Perú (donde incursionaría Sendero Luminoso años posteriores también). Sangre. Desolación. Igual de excelente son los primeros planos de los personajes principales. Como en Margarita (Maribel Baldeón) ante un encuentro inesperado. Desconcierto, ansiedad, atracción. Y en Lautaro (Juan Cano) por su situación incierta. Frío, nostalgia, desesperación. El amor prohibido de ambos -ella una aldeana peruana que vive junto a sus padres y él un uniformado chileno herido en campaña- conforman una inevitable y trágica relación, versión “Romeo y Julieta” andina (ER-C). "Érase una vez en los Andes" fue un Estreno Internacional y se presentó el 8 de febrero en Bill Cosford Cinema como parte de la programación de la Sexta Edición del Ibero American Film Festival Miami
En "Latido" Emilia (Camila Calónico) espera reluctante un bebé y
Leonor (Marina de Tavira) espera esperanzada poderlo adoptar
"Latido"
México (2023)
Dirección, guión: Katina Medina Mora
Producción: Katina Medina Mora, Luis Salinas, Inna Payán
Cinematografía: Nur Rubio Sherwell
Música: Alejandro Castaños
Edición: Mariana Rodríguez
Duración: Una hora, 28 minutos
"Latido" se exhibió el 8 de febrero en Tower Theatre Miami
como parte de la programación de la Sexta Edición del
Ibero American Film Festival Miami
Cruz (Kiti Mánver), alias "Mamacruz", es víctima de las
restricciones religiosas y sociales, los sentimientos
de culpabilidad, el sexo reprimido. Hasta que un día
descubre que la vida tiene otros 'estímulos' ocultos
"Mamacruz"
España (2023)
Dirección: Patricia Ortega
Guión: Patricia Ortega, José F. Ortuño
Cinematografía: Fran Fernández-Pardo
Música: Paloma Peñarrubia
Edición: Fátima de los Santos
Duración: Una hora, 24 minutos
"Mamacruz" fue un estreno en la Costa Este y
se exhibió el 8 de febrero en Silverspot Miami como
parte de la programación de la Sexta Edición del
Ibero American Film Festival Miami
Nominación
Premio Goya 2024 de España: Mejor Montaje
La trama violenta de "Tumbadores" está matizada por el romance
entre Manuela (Mary Gaby Sealy) y Nico (Tachi)
"Tumbadores"
Panamá (2024)
Dirección: Maria Isabel Burnes
Guión: Maria Isabel Burnes,
Diego Canizal, Alonso Torres
Cinematografía: Christian Bradford
Música: Alejandro Lagrotta
Edición: Andres Porras
Duración: Una hora, 38 minutos
"Tumbadores" fue un estreno en Estados Unidos y
se proyectó el 9 de febrero en Silverspot Miami como
parte de la programación de la Sexta Edición del
Ibero American Film Festival Miami
Lola (Maite Aguilar) se esfuerza y sueña con viajar a Alemania
a estudiar. Destrás su amiga Tati (Gala Gutman)
"Alemania"
Argentina, España(2023)
Dirección, guión: María Zanetti
Producción: Juan Pablo Miller
Cinematografía: Agustín Barrutia
Edición: Sebastián Schjaer
Duración: Una hora, 27 minutos
"Alemania" fue un estreno en Estados Unidos
y se presentó el 10 de febrero en Bill Cosford Cinema
como parte de la programación de la Sexta Edición del
Ibero American Film Festival Miami
El título de la canción "Ven a mi casa esta Navidad" -que compusiera
el gran cantautor argentino Luis Aguilé (1936-2009)- es el leitmotiv
que lleva a Inés (Leonora Balcarce), presa de total hastío,
hacia una típica reunión tradicional con su familia
"Ven a mi casa esta Navidad"
Argentina (2023)
Dirección, guión: Sabrina Campos
Cinematografía: Iván Gierasinchuk
Música: Santiago Bruno
Edición: Josefina Llobet
Duración: Una hora, 23 minutos
"Ven a mi casa esta Navidad" fue un Estreno Mundial y
se exhibió el 4 de febrero en Silverspot Miami como
parte de la programación de la Sexta Edición del
Ibero American Film Festival Miami
Colombia (2022)
Dirección: Oscar Dario Jimenez Escruceri
Guión: Oscar Dario Jimenez Escruceri,
Alejandro Beltran Olivero,
Eduardo Muñoz Gómez,
Elenco: Jorge Luis Ceballos Lievano,
David Bejarano Bonilla,
Yesid Achicué Cuetocue,
Edilsa Ibañez Ibañez
"Hijos del hielo" es un documental
de 46 minutos de duración
Polonia, Canadá (2023)
Dirección: Louise Archambault
Guión: Dan Gordon
Cinematografía: Paul Sarossy
Música: Maxime Navert, Alexandra Stréliski
Edición: Arthur Tarnowski
Duración: Dos horas, un minuto
"Irena’s Vow" fue un estreno en Florida. Se exhibió
el 14 y el 18 de enero en Miami Theater Center;
y el 22 en The Hub at Temple Beth Am.
En "My Daughter My Love" Sasson Gabay y Sivan Levy representan
una relación padre en hija muy íntima y especial
"My Daughter My Love"
Israel, Francia (2023)
Dirección, guión: Eitan Green
Cinematografía: Daniel Miller
Música: Shem-Tov Levy
Edición: Arik Lahav-Leibovich
Duración: Una hora, 33 minutos
"My Daughter My Love" fue un estreno en Norteamérica. Se presentó el 14 de
enero en Miami Theater Center, el 17 en Michael-Ann Russell JCC y el 21
en The Hub at Temple Beth Am. También se pudo ver 'streaming'
durante todo el MJFF 2024 (Digital Screening Room).
Ucrania, Israel (2023)
Dirección: Eliran Peled
Guión: Eliran Peled, Yonatan Blumenfeld
Cinematografía: Saar Mizrahi
Música: Daniel Markovich, Ran Shem-Tov,
Ben Zeadman
Edición: Noy Barak
Duración: Una hora, 54 minutos
"Victory" fue un estreno en la Costa Este de Estados Unidos.
Se proyectó el 15 de enero en The Hub at Temple Beth Am y el
18 en Miami Theater Center. También se pudo ver 'streaming'
durante todo el MJFF 2024 (Digital Screening Room)
En "The City" Amit Ulmany y Moria Akons protagonizan, respectivamente,
al detective Joe y a Sarah Bennetta en tiempo narrativo de rap
"The City"
Israel (2023)
Dirección, guión: Amit Ulman
Cinematografía: Misha Pletinsky
Edición: Eyal Sibi
Duración: Una hora, 15 minutos
"The City" fue un estreno en Norteamérica. Se exhibió el 13 de enero en
The Hub at Temple Beth Am, el 14 en Miami Theater Center y el 22 en
Michael-Ann Russell JCC durante el MJFF 2024
Dos viudas. Una esposa: Natasha (Ania Bukstein) y una querida:
Ella (Dana Ivgy)
"The Other Widow"
Israel, Francia (2022)
Dirección: Maayan Rypp
Guión: Maayan Rypp, Anat Gafni
Cinematografía: Moshe Mishali
Música: Adam Weingrod
Edición: Yann Dedet, Clémence Diard
Duración: Una hora, 23 minutos
"The Other Widow" fue una Presentación Especial. Se pudo ver
'streaming' durante todo el MJFF 2024 (Digital Screening Room)
